Kapitel 10: Grundlagen der Bildsprache

Transkript

1 Kapitel 10: Grundlagen der Bildsprache Nachdem wir das Handwerk beim Dreh in den vorigen Kapiteln mehr oder weniger abgegrast haben, ist es nun an der Zeit, auch der Theorie noch eine ganze Menge Aufmerksamkeit zukommen zu lassen. In diesem Kapitel soll es um ganz grundlegende Fragen gehen: Wie richtet man die Kamera auf etwas aus, damit es schön ausschaut? Wie bewegt man die Kamera? Und wie nicht? Grundbegriff #1: Einstellung Die kleinste Einheit, die es beim Film gibt, ist die Einstellung. Eine Einstellung, zu Englisch shot, ist ein durchgehendes und ungeschnittenes Stück Film. Der Zeitraum in einem Film, der zwischen zwei Schnitten liegt, ist somit also eine Einstellung. Auf die Bedeutung von Einstellungen für die Dramaturgie des Films komme ich dann später, wenn es um den Filmschnitt geht (ab S. xx), wieder zurück. Vorerst brauchen wir den Begriff einfach als Grundlage. Einstellungsgrößen Einstellungsgrößen sind das, was bestimmt, wie groß etwas im Bild zu sehen ist. Die nebenstehenden zwei Schaubilder zeigen eine Variante, das zu benennen. Wer mit drei Fachleuten redet, wird, wenn er Pech hat, danach vier abweichende Benennungen für diese Einteilungen kennen, aber die nebenstehende ist zumindest die deutsche Lehrbuchmeinung. Die Panorama -Einstellung ist dabei die extremste, weshalb sie im Englischen auch extreme long shot heißt, im Deutschen manchmal sonst auch weit. Es ist eine Landschaftsaufnahme mit nur weit entfernten, kleinen und detaillosen Objekten. Die Totale ( long shot ) ist oftmals eine einführende Einstellungsgröße und zeigt den Handlungsraum in seiner Gesamtheit. Die Halbtotale ( medium long shot, manchmal full shot ) zeigt beispielsweise eine Person (erkennbar) mit ihrer gesamten Umgebung. Sie betont genauso, wie die nachfolgenden beiden Einstellungen vor allem die Gestik und Körpersprache der gefilmten Person. Nachfolgend sind die amerikanische Einstellung, die den Körper in etwa ab Höhe der Colts im Western zeigt, sowie die Halbnahe, die von der Hüfte an Aufwärts die Person inszeniert. Hier sind die englischen Begriffe mit den Deutschen etwas schwer in Einklang zu bekommen, medium shots und mid shots können beide das sein, was wir hier meinen. Grundlagen der Bildsprache 111

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3 Der restlichen Einstellungen verlagern den Fokus des Betrachers mehr auf die Mimik. In der Naheinstellung ( close shot ) wird das obere Drittel des Körpers inszeniert, in der Großaufnahme ( close up ) wird die Kamera direkt auf den Kopf der Person ausgerichtet, oftmals am Haaransatz oder kurz darüber abgeschnitten. Und in der Detailaufnahme ( detail shot oder extreme close up ) werden etwa nur Teile des Gesichtes inszeniert. Blickende Augen, eine schnüffelnde Nase oder so. Gerade die Detailaufnahme ist dabei aber auch nicht auf das Gesicht begrenzt, sondern kann auch beispielsweise andere Körperteile inszenieren. In einem Western wäre beispielsweise auch eine Aufnahme der direkt über dem Halfter kreisenden Hand in einem Duell als Detailaufnahme denkbar. Die Abweichungen der Lehrmeinungen voneinander sowie die Unterschiede der deutschen und englischen Begriffe machen einem das Leben hier nicht unbedingt einfacher. Manche etwa drehen die halbnahe und die amerikanische Einstellung um, was für mich nur wenig Sinn hat, aber durchaus vorkommen kann. Zumindest innerhalb der Crew sollte man sich also auf ein einheitliches Vokabular einigen. Die Einstellungsperspektive Generell kann man mit der Kamera, abgesehen vom Variieren der Einstellungsgröße, erst einmal an Ort und Stelle noch drei Dinge tun man kann sie entlang jeder der drei Achsen im dreidimensionalen Raum kippen. Was genau der Unterschied zwischen schwenken, neigen und rollen ist, darauf komme ich später noch zurück. Befindet sich die Kamera auf Augenhöhe der Person, so nennt man es die Normalsicht. Da ist die primäre Frage einfach, wessen Normalsicht man gerade zeigt dreht man beispielsweise einen Film mit Kindern, so sollte man sich überlegen, ob man die Normalsicht der meisten Szenen nicht auf deren Augenhöhe anbringen sollte, um nicht dauernd den Blick auf sie zu verzerren. Ich komme auf das Beispiel am Ende dieses Abschnitts zurück. Man kann sie nun aber natürlich auch oberhalb der Person anbringen und auf sie herabrichten, oder unterhalb und zu ihr aufschauen. Das hat Auswirkungen darauf, wie der Zuschauer das gefilmte Objekt wahrnimmt. Befindet sie sich unterhalb, so nennt man es je nach Ausprägung Untersicht oder extreme Untersicht, letztere im Volksmund auch gerne Froschperspektive. Objekte, die aus der Untersicht gefilmt sind, wirken immer sehr bedrohlich. Das ausgelutschte, aber nie alt werdende Beispiel ist immer der erste Terminator, wenn Schwarzenegger die Polizeistation zerlegt. Einfach mal drauf achten, es fällt dann sehr schnell ins Auge. Warum es da so gemacht wurde ist leicht zu erkennen: Die Untersicht lässt den Gefilmten als riesigen Fels aufragen, macht ihn eben dadurch bedrohlich und einschüchternd. Eine Machtperson. Ist sie dagegen oberhalb, ist spricht man von Aufsicht bzw. extremer Aufsicht. Auch hier geht im Volksmund das Tier um und nennt die Extreme oft auch Vogelperspektive. Die Grundlagen der Bildsprache 113

4 Wirkung ist hier umgekehrt, die gefilmte Person wirkt kleiner, unterlegen bzw. unterworfen. Das größte Extrem wäre eine Aufnahme direkt aus der Vertikalen. So ein Top Shot kann funktionieren, aber tut es nur selten. Wer nicht ganz genau weiß, was er da produziert und wofür er es haben möchte, sollte davon besser Abstand nehmen. Um auf das vorige Beispiel zurückzukommen: Wer einen Film mit Kindern in einer zentralen Rolle dreht, muss immer gut überlegen, auf welche Höhe er die Kamera setzt. Setzt er die Normalsicht auf deren Augenhöhe an, so ist eine Identifikation mit den kleinen Handlungsträgern einfach, Erwachsene ragen allerdings immer unerreichbar weit in den Himmel auf. Sitzt die Kamera dagegen auf Höhe der Erwachsenen, so werden automatisch diese zum Fokus der Identifikation, Kinder dagegen wirken klein, weniger ernst zu nehmen und schwach. Beides kann erstrebenswert sein, oft abhängig von Szene zu Szene. Aber auch hier gilt: Man sollte um diese Wirkung einfach wissen, damit man gezielt den Effekt bekommt, den man möchte. Ein paar Gedanken zur Bildaufteilung Auch da gibt es etwa Lehrmeinungen in Ausarbeitungen. Ich bleibe daher mal bei den vier gängigeren Theorien, von denen ich allerdings auch nicht alle vorbehaltlos unterschreiben werde. Cadrage Die vielleicht einfachste Methode, sein Bild interessant zu machen, ist ein Rand. Sehr simpel und kaum der Beschreibung bedürftig, platziert man eben an den (normalerweise) linken oder rechten Bildrand ein Objekt. Dieser Rahmen nennt sich Kadrierung und umschließt den Kader. Das Auge des Zuschauers wird daher auf den Vordergrund gelenkt und nicht davon abgelenkt. Das 3 3-Modell Eigentlich mein Favorit, was Inszenierung betrifft. Man zerlegt das Bild mit zwei horizontalen und zwei vertikalen Linien in insgesamt neun gleichgroße Teile. Diese entsprechen jeweils in Höhe und Breite 1/3 des Bildformats und wollen natürlich entsprechend bei 4:3 und 16:9 entsprechend anders bemessen sein. 114 Grundlagen der Bildsprache

5 Hat man nun dieses Raster aufgelegt, kann man damit zwei Dinge tun. Die eine Lehrmeinung sagt, dass man darauf achten sollte, dass möglichst in vielen dieser neun Rechtecke interessante Bildelemente zu sehen sind. Sind alle voll, ist das Bild vermutlich zu überladen, aber wenn vier oder fünf Ecken etwas zum Anschauen bieten, ist der Zuschauer vermutlich ausreichend beschäftigt. Die andere Theorie ist die Sweet Spot -Theorie (wörtl. süßer Punkt, aber eher im Sinne optimaler Punkt gemeint), die davon ausgeht, dass gerade an den vier inneren Schneidepunkten der Linien besonders die Aufmerksamkeit des Zuschauers liegt. An welche man sich nun hält, ist vollkommen egal und kann auch von Einstellung zu Einstellung abweichen. Aber wer sich an eine der beiden Methoden hält, wird vermutlich schon mal im Großen und Ganzen keine unaufgeräumten oder langweiligen Einstellungen filmen. Die Dreiecke Ein Kunsthistoriker könnte es sicherlich besser erklären, aber visuell suggerierte Dreiecke im Bild machen Szenen interessanter. Man unterscheidet dabei zwischen geschlossenen und geöffneten Dreiecken im Bild. Bei ersteren sind alle drei Eckpunkte innerhalb des Bildbereichs, bei letzterer entsprechend nur einige. Geschlossene Dreiecke erzeugen für den Betrachter ein ruhiges Bild. Die nebenstehende Zerlegung einer Einstellung des Magierturms aus dem Amateurfilm Xoro: the Eifelarean hat nur geschlossene Dreiecke, selbst in der Bewegung des fallenden Meteors (rotes Dreieck), was insgesamt ein sehr in sich geschlossenes Bild erzeugt. Das andere Bild zeigt dagegen eine Öffnung. Die Frau im Vordergrund ist der ruhige, feste Mittelpunkt des Bildes (gelbes Dreieck), während die Flucht des Grabsteins ein geöffnetes Dreieck zu bilden scheint (rotes Dreieck). Das führt dazu, dass der Zuschauer den Blick zwar auf die Frau richtet, aber das Bild dennoch durch den Grabstein interessant bleibt und selbst in seiner festen Perspektive Dynamik bietet. Grundlagen der Bildsprache 115

6 Der Goldene Schnitt Und zum Abschluss noch etwas für den ambitionierten Kunstfilmer in jedem von uns. Aus dem Goldenen Schnitt kann man das Goldene Rechteck, und daraus die Goldene Spirale herleiten. Wenn man nun diese goldene Spirale auf sein Bild legt, so besagt die Theorie, dass diese, die vorgeblich schönste und natürlichste, ja nobelste aller Formen den Blick des Betrachters an die für ihn bestimmte Stelle lenke. Das ist, ganz grundsätzlich, nicht falsch. Der nebenstehende Bildausschnitt demonstriert das auch recht gut. Obschon der Pfarrer am linken Bildrand auch ein gutes Beispiel für eine Kadrierung wäre, fällt das Augenmerk des Betrachters auf die Frau. Das größte Problem am Goldenen Schnitt für mich ist, dass es in meinen Augen definitiv nur in zwei Bereichen Anwendung finden kann: bei übermäßiger Planung und in der nachträglichen Betrachtung. Denn mal ehrlich sich Dreiecke vorzustellen, das geht. Die 3 3-Matrix ist einfach zu denken, teils sogar im Kamera-Display zuschaltbar. Aber das Bild in Goldene Rechtecke zu zerlegen ist zumindest nur bei exzellenter vorheriger Planung und sehr zeitintensiver Umsetzung vielleicht umsetzbar. Umso mehr, weil das normale 16:9-Bild vom Seitenverhältnis her auch kein Goldenes Rechteck darstellt, man also auch oft etwas basteln muss, damit das alles überhaupt passt. Und im Nachhinein kann man natürlich immer eine Menge Erklärungen aus einem Bild herauslesen, warum es denn nun gerade interessant ist und bei dem Betrachter Eindruck hinterlässt planbar ist das nicht immer. Feindbild: Headspace Zum Abschluss noch ein paar Worte zu einem der schlimmsten Anfängerfehler, den man machen kann, was die Bildaufteilung betrifft. Als Headspace (zu Deutsch in etwa Kopfraum ) bezeichnet den Bereich des Bildes, der beispielsweise in einer halbnahen Einstellung oberhalb der Köpfe der abgebildeten Personen liegt. Ist dieser nun zu groß, entstehen gleich eine ganze Menge Probleme: Das Bild wirkt unruhig, die Köpfe hängen irgendwie komisch in der Bildmitte 116 Grundlagen der Bildsprache

7 und über ihnen ragt zumeist einfach gähnende Langeweile empor. Und irgendwie ist er bei Anfängern dauernd da, dieser Headspace. Da gibt es eine ganze Menge mögliche Gründe für. Vielleicht denkt der Kameramann in 16:9, filmt aber in 4:3 da passiert das recht schnell. Oder aber ein ganz trivialer Grund schlägt zu und die Kamera wird so justiert, dass man im Sucher alles schön sehen kann. Nur wird dabei vergessen, dass die ganzen Anzeigen, die fast jede Kamera oben einblendet, nachher nicht mehr da sind und man doch intuitiv immer versucht, sie so aufzustellen, dass auch durch diesen Text nichts verdeckt wird. Das beste Mittel gegen Headspace ist es eigentlich immer, sich bei jeder Einstellung zu fragen, ob es zu viel davon gibt oder ob die Einstellung stimmt. Und zwar so oft und so lange, bis man es verinnerlicht hat. Die Kernbotschaft: Außer in einer wirklich nahen Einstellung gehört ein Gesicht nicht in die Bildmitte, sondern eher dem oberen Rand entgegen positioniert. Headspace ist einer der Anfängerfehler schlechthin und es ist insofern immer entlarvend, wenn es passiert. Sag s auf Schlau: Die Vierte Wand Es gibt auch einen Fachbegriff für diese Grenze zwischen Zuschauer und Akteur. Der kommt aus der Theaterwissenschaft kommende Begriff der vierten Wand geht auf Denis Diderot zurück und bezeichnet, ganz wörtlich, die vierte Wand, die auf der den Zuschauern zugewandten Seite der Bühne eigentlich stehen müsste. Sie tut es nicht, damit der Blick auf das Geschehen frei ist, aber für die Figuren im Stück existiert sie natürlich. Aber an bestimmten Stellen durchbrechen sie die vierte Wand, reden zum oder interagieren mit dem Publikum. Diese Theorie wurde dann auch 1:1 auf den Fernseher übertragen, auch wenn die Position der Kamera und damit die vierte der vier Wände sich regelmäßig ändert. Ein Kuriosum am Rande ist übrigens die weniger wissenschaftlich verbreitete Theorie der fünften Wand. Darunter versteht man Anspielungen auf einer Meta-Ebene, die durchblicken lassen, dass sich die Figur bewusst ist, von welcher Schauspieler sie darstellt und beispielsweise auf frühere Rollen, Filme oder Serien anspielt. Grundlagen der Bildsprache 117

8 Nicht im die Kamera gucken Eine weitere kurze und gute Faustregel: Schauspieler sollten eigentlich niemals in die Kamera gucken. Von der expliziten Anrede an den Zuschauer abgesehen, sollte ihr Blick die Kamera immer zumindest um ein paar Nuancen verfehlen. Der direkte Blickkontakt ist wie viele andere Fehler in der Inszenierung auch dazu geeignet, die Illusion einer in sich geschlossenen Welt zu zerstören, da der Zuschauer sich plötzlich von den Akteuren beobachtet fühlt und nicht umgekehrt. Natürlich gibt es auch hier Ausnahmen inszenierte Nachrichtensprecher, Texte die sich direkt an den Zuschauer richten sollen oder aber vielleicht ein Witz auf Kosten des Publikums, der dadurch noch einmal weiter unterstrichen wird. Unabsichtliche Blicke in die Kamera aber sind nach allen Möglichkeiten zu vermeiden. Die Bildachse Entlang einer gedachten Linie, parallel zur Ausgangsposition der Kamera, verläuft die Grenze eines sehr zentralen Bereiches: Der 180 -Bereich. Überschreitet man in einer nachfolgenden Einstellung diese gedachte Linie und begibt sich so aus dem Bereich heraus, tritt ein seltsamer Irritationeffekt auf, der oft nur unterbewusst wahrgenommen wird, aber dennoch sehr störend ist. Wie es dazu kommt und wie man es sich vorzustellen hat, das verdeutlicht das Schaubild auf der nebenstehenden Seite. Solange man generell in seinem 180 -Bereich bleibt, tritt dieser Effekt aber nie ein und man kann unbesorgt seine Kamera positionieren. Fast. Denn diese Von-Links-Nach-Rechts-Logik gilt in einer Abwandlung auch noch einmal für Bildelemente im Vordergrund. Das nebenstehende Bild zeigt, wie es auch ähnlich schief gehen kann obwohl die Positionen innerhalb der Bildachse blieben, ist die Fackel im Vordergrund mal links und mal rechts von der Person. Das wirkt ebenfalls ganz und gar falsch und komisch. Doch generell bleibt die Faustregel vor allem anderen: Wer auf seiner Seite der 180 -Achse bleibt, der ist auf der sicheren Seite. Schwenken schwer! Man kann die Kamera entsprechend aller drei Achsen bewegen bzw. kippen, ohne sie an sich durch den Raum zu bewegen. Häufig wird in dem Kontext einfach nur von Schwenken gesprochen, doch eigentlich hat diese Bewegung je nach Achse einen eigenen Namen. Ein Mal Schwenken, Neigen, Rollen bitte Bewegt man die Kamera auf der Horizontalen, so spricht man tatsächlich von einem Schwenk. Wenn etwa ein Darsteller die Straße entlanggeht und die Kamera sich mit ihm dreht, so ist das 118 Grundlagen der Bildsprache

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10 ein Schwenk. Die gibt es in verschiedenen Geschwindigkeiten bis hin zum Reiß-Schwenk, bei dem die Kamera etwa einem schnellen Wagen hinterher gerissen wird. Wird sie dagegen geneigt, so ist das eine Bildbewegung entlang der Vertikalen. Wenn sich die Kamera etwa auf Hüfthöhe befindet und dann von den Füßen des Charakters sich hoch zu seinem Gesicht, nun ja, geneigt wird, ist es eine Neigung des Bildes. Eine nur sehr, sehr selten verwandte Form ist dann noch das Rollen. Hier wird das Bild entlang einer gedachten dritten Achse bewegt und beispielsweise um 90 Grad gedreht, so dass der Gehweg nun nicht mehr am unteren, sondern am rechten Bildrand zu sehen ist. Es gibt nur recht wenig Anwendungsgebiete dafür, da es in der Regel vor allem irritierend wirkt. Sinnvoll angewandt kann man es aber etwa in dem Babylon 5-Film Vergessene Legenden sehen, wo eine übernatürlich geprägte Verhörszene durch diese stetig in die eine oder andere Richtung rollende Kamera mystifiziert wird. Ganz klassisch ist das Rollen auch zur Darstellung von Seegang oder der Treffer, wenn ein Raumschiff mal wieder unter Beschuss steht. Die Kamera bewegen Bewegt sich die Kamera selbst durch den Raum, so spricht man in der Regel von einer Fahrt. Ob nun auf Schienen, Rädern, an einem Kran, es ist eine Fahrt. Eine Sonderkategorie nimmt es dann ein, wenn portable Systeme verwendet werden, also etwa eine Handkamera, eine Aufnahme via Steadycam etc. (vgl. S. xx ff.) in dem Falle spricht man von einer so genannten entfesselten Kamera. Die Wirkung ist allen Kategorien aber gemein: Die Kamera bewegt sich durch den Raum und erschafft dadurch eine sehr dynamisches, sich regelmäßig wandelndes Bild, was den Zuschauer bei Stange hält, dabei aber wesentlich weniger hart ist als direkte, offensichtliche Schnitte. Alle Fahrten außer der entfesselten Kamera sind in der Regel sehr ruhig und gleichmäßig, was sie sehr angenehm zu schauen macht. Die entfesselte Kamera hat zumindest das Potential, viel unruhiger zu sein, wie etwa jüngst häufiger in Actionfilmen zu sehen. Warum ein Zoom keine Fahrt ist Zunächst einmal ist es wichtig zu betonen, dass bei einem Zoom die Kamera natürlich auch an Ort und Stelle bleibt. Dennoch wird der Zoom oft als die Kamerafahrt des kleinen Mannes bezeichnet. Bei einem Zoom wird rein technisch gesprochen durch die Veränderung der Brennweite des Objektivs das Geschehen näher an die Kamera herangeholt. Gerade in Italo-Western ist es sehr beliebt gewesen zu zoomen, da dies wesentlich einfacher und kostengünstiger ist als eine Kamerafahrt, dennoch aber ein ähnliches Ergebnis liefert. Kostengünstig ist im Amateurbereich ja immer ein gutes Stichwort, aber die Betonung liegt auf ähnlich. 120 Grundlagen der Bildsprache