Berliner Festspiele. # maerzmusik

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1 Berliner Festspiele # maerzmusik Clocks without Hands

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3 Do , 20:00 Konzerthaus Berlin, Großer Saal ASHLEY FURE Bound to the Bow für Orchester und Elektronik (2016) DE JUSTĖ JANULYTĖ Was there a Swan? für Orgel und Orchester (2019) UA Kompositionsauftrag MaerzMusik Festival für Zeitfragen und Konzerthaus Berlin Pause OLGA NEUWIRTH Masaot / Clocks without Hands für großes Orchester (2013, rev. 2015) Konzerthausorchester Berlin Peter Rundel Leitung Daniel Weingarten Klangregie Martin Knizia Orgel 19:00 Konzerthaus Berlin / Carl-Maria-von-Weber-Saal Künstlerinnengespräch mit Ashley Fure und Justė Janulytė Martina Seeber Moderation In Zusammenarbeit mit dem Konzerthaus Berlin. Mit Unterstützung von Berliner Künstlerprogramm des DAAD und Lithuanian Culture Institute. Mitschnitt Deutschlandfunk Kultur, Live-Sendung 20:03 Uhr 3

4 Bound to the Bow Der Impuls zu diesem Stück kam von einem Klangbild in meinem Ohr. Es war inspiriert durch Samuel Taylor Coleridges berühmte Ballade Rime of the Ancient Mariner (Der alte Seefahrer), aber mit einer Wendung: Hier wurde der Albatros, dieses riesige, geflügelte Wesen, nicht erschlagen und um den Nacken des Seemanns gehängt, sondern stattdessen an den Bug des Boots gebunden. Aus diesem Bild ergaben sich für mich wichtige Kontraste: eine schwere Leichtigkeit, ein geerdeter Flug und nasse, gewichtete Flügel. Bound to the Bow ist aufgeladen mit einer eingesperrten kinetischen Energie. Rasende Klangsträhnen verwirren sich und werden zu dichten, lärmenden Geflechten. Bogen wirbeln über die Saiten wie in Kisten gefangene Vögel: Sie flattern, ohne zu fliegen, sie krallen sich hin zum Ton, im Versuch aufzusteigen. Bound to the Bow ist eine Auftragsarbeit für die New York Philharmonic Biennale 2016 und wurde am 5. Juni 2016 vom Interlochen Arts Academy Orchestra in der David Geffen Hall uraufgeführt. Ashley Fure 4

5 Was there a Swan? für Orgel und Orchester (2019) Kompositionsauftrag von MaerzMusik Festival für Zeitfragen und Konzerthaus Berlin Peter Rundel gewidmet How many swans were there? White Constellation, their silence, piercing some violence, The water. Each planetary, an organ. If the train slowly rips the field in two, Makes a shore, as it were, then where Were you, burning like birds Aus: Quinn Latimer, Like a Women. Essays, Readings, Poems, Sternberg Press, 2017 Die Inspiration für dieses Werk wurde, visuell wie klanglich, durch den poetischen Essay Quinn Latimers ausgelöst. Auch die Orgel als zentrales Element einzusetzen, sozusagen als Rückrat des musikalischen Körpers, wurde dadurch angeregt. Die Orgel fungiert hier als eine Art Sandglas (mit Bezug auf meine Komposition Sandglasses, die bei MaerzMusik 2011 aufgeführt wurde), und die Reichweite ihres Umfangs bestimmt die Grenzen des Zeitraums, in dem sich der ganze akustische Organismus entfaltet. Auch werden alle anderen Schichten des Orchesters durch die starke Gravitationskraft, die die Orgel ausübt, beeinflusst. Die dualistische Struktur der Komposition beruht auf einander entgegengesetzten Bewegungen (Katabasis versus Anabasis*), die sich langsam gegenseitig durchkreuzen, was an die perfekte symmetrische Gestalt des Sternenbilds des Schwans erinnert. Der Titel der Komposition ist eine Hommage an eine Komponistin, die zu meinen Leuchtturm-Komponist*innen gehört, an Onutė Narbutaitė und ihr Werk Was there a Butterfly? für Streichorchester. Justė Janulytė * Die Anabasis oder auch Ascensus (lat.: hinauf-, heraufsteigen) ist eine musikalische Figur, die eine Aufwärtsbewegung in einer musikalischen Linie beschreibt. Das Gegenstück dazu ist die Abwärtsbewegung einer musikalisches Linie, die Katabasis. 5

6 Vom Schaukeln der Dinge im Strom der Zeit Wo zwischen der Moldau, der Donau und meinem Kindheitsfluß alles einen Begriff von mir hat. Ingeborg Bachmann, Prag im Jänner wurde ich von den Wiener Philharmonikern gebeten, anlässlich des 100. Todestages von Gustav Mahler ein Orchesterwerk zu schreiben. Da ich aber zwei Opern bis Ende 2011 fertigzustellen hatte, musste ich absagen. Als der Auftrag nach 2015 verschoben wurde, wollte ich dennoch die Idee von 2010 nicht fallen lassen, Mahler zu reflektieren. Ich hatte in dieser Zeit einen Traum, der zum Auslöser der musikalischen Turbulenzen meines Orchesterwerks wurden. Mein Großvater, den ich nie kennengelernt hatte und nur durch Fotos und Erzählungen meiner Großmutter kenne, erschien mir im Traum. In den sonnendurchfluteten Donauauen mit dahin plätscherndem Wasser bewegte der Wind Myriaden grüner Grashalme in einer Umgebung verworrenen Schilfrohrs. Mein Großvater stand inmitten der Grashalme und spielte mir auf einem alten, krachenden Tonbandgerät ein Lied nach dem anderem vor und sagte: Von Anfang an fiel ich aus dem Rahmen. Ich war ein Außenseiter und passte nie ganz zu meiner österreichischen Umgebung. Ich hatte ein lebenslanges Gefühl des Ausgegrenztseins. Hör diesen Liedern zu, das ist meine Geschichte. Er war aus der Zeit gefallen und teilte es mir mit. Dieser Traum hat mich sehr bewegt, sodass ich ihn komponierend verarbeiten wollte, denn Schreiben ist für mich ohnehin eine Sache der Erinnerung. Es sollte so sein, als würde man Geträumtes hören, als würde man selbst träumen beim Hören. Masaot / Clocks without Hands möge als poetische Reflexion über das Verschwinden von Erinnerung angesehen werden. Das Stück vereint immer wieder kurz aufblitzende Melodiefragmente aus sehr unterschiedlichen Orten und Lebenserfahrungen meines Großvaters. Es ist ein geformter Fluss von Erinnerungen. Die Komposition entfaltet ein Raster, in dem Liedfragmente immer wieder anklingen und neu miteinander kombiniert werden. Dem entgegen steht ein musikalisches Objekt, basierend auf Metronom-Schlägen, die die Zeit hör- und spürbar machen. Wie in einem 6

7 Karussell tauchen auch diese Metronom-Schläge auf und verschwinden wieder. Aber anders als bei einem Karussell bleiben sie nicht unverändert, sondern verwandeln sich durch einen je leicht verschobenen Zusammenhang und die Überlagerung verschiedener Tempi. Durch dieses Metronom- Ticken, durch diesen äußerlich regulierten Zeit-Puls, wird die Zeit zu einem zeitlos empfundenen, subjektiven Gefilde des Unterbewusstseins. Und schließlich löst sich die Zeit vermeintlich auf: die Zeiger sind abgebrochen. Mein Großvater wurde in einer Stadt am Meer geboren, die in ihrer wechselhaften Geschichte mal im venezianischen, mal im kroatisch-ungarischen Herrschaftsgebiet lag. Später wuchs er im zwischen Kroatien und Ungarn gelegenen Donau-Zwischenstromland auf. Vielleicht ging es meinem Großvater so wie Canetti, der über seine Zeit der Kindheit an der Donau wie folgt schrieb: Als Kind hatte ich keinen Überblick über diese Vielfalt, aber ich bekam unaufhörlich ihre Wirkung zu spüren und... dass ich aus vielen Personen bestehe, deren ich mir keineswegs bewusst bin. Daher ging es mir in diesem Stück um viele unterschiedliche (musikalische) Geschichten, die der Fluss, in meinem Fall die Donau, hört und hinunter bis zum Meer trägt. Zurück zu Mahler. Seiner Ersten Symphonie wurde nach der Uraufführung Eklektizismus vorgeworfen und diese als Katzenmusik bezeichnet. Genau das hat mich interessiert. Daher wollte ich diesem musikalischen Phänomen und diesem alten Duft aus Märchenzeit nachgehen. In diesem Fall eben der Kindheit und Jugend meines Großvaters an der Donau. Ich wollte aus meinem Hier und Jetzt auf das Gebiet einer ehemalig kakanischen Herkunft blicken. Auf der Suche nach Verortung und Identität. Vielleicht ist dieses Stück ein ironisch-wehmütiger Abgesang einer österreichischen Komponistin, die sich negativ frei fühlt zu komponieren was sie möchte und damit Robert Musils Mann ohne Eigenschaften nahe steht. Masaot / Clocks without Hands entstand durch den vielstimmigen Gesang meiner zersplitterten Herkunft und aus dem Wunsch heraus nach einem kontinuierlichen Fluss, der durch das fortlaufende Mittel sich austauschender Zellen bestimmt ist, die durch das gesamte Stück laufen. Heimat ist für mich ein nebulöses Etwas. In Masaot/Clocks without Hands versuchte ich, mir das Thema mehrere Heimaten zu beantworten, nämlich durch das Komponieren von Musik als Heimat und Fremde zugleich. Zwischen vertrauten und nicht vertrauten Klängen, jenseits kakanischer Nostalgie als unmöglicher Versuch, durch das Komponieren die Zeit aufzuhalten. Olga Neuwirth 7

8 Ashley Fure Kai Bienert Ashley Fure, 1982 geboren, ist eine USamerikanische Komponistin und Klangkünstlerin. Sie erforscht den kinetischen Ursprung des Klangs und legt damit Fokus auf den physischen Akt des Musikmachens und den chaotischen Verhaltensweisen roher akustischer Materie. Sie promovierte an der Harvard Universität und ist seit 2015 Assistenzprofessorin am Dartmouth College. Ihre kompositorische Arbeit wurde in den letzten Jahren zunehmend durch hochrangige Auszeichnungen gewürdigt: 2017 gewann sie den Rom-Preis der American Academy in Rom für Komposition und ein Guggenheim Stipendium; 2016 war sie Finalistin des Pulitzerpreises für Musik; im selben Jahr erhielt sie die Förderung Grant for Artists für zeitgenössische Kunst; 2015 förderte die Ernst von Siemens Musik stiftung ihre Komposition A Force of Things ; 2014 erhielt sie den Kranichsteiner Kompositionspreis Darmstadt, den Busoni- Preis der Akademie der Künste Berlin und ein Mellon Post-doctoral Fellowship der Columbia Universität; 2013 folgte ein Fulbright Stipendium für Frankreich und ein Impuls International Kompositionspreis; 2012 erhielt sie den Darmstadt Stipendienpreis und das Staubach Honora rium; 2011 den Ježek-Preis des öffentlichen TV- und Radiosenders RTV SLO und eine zehnmonatige Residenz an der Akademie Schloss Solitude. Ihre Arbeit wurde von bedeutenden Ensembles in ganz Europa und der USA gefördert, einschließlich der New Yorker Philharmoniker, der Los Angeles Philharmoniker, Klangforum Wien, Ensemble Modern, dem Diotima Quartet, dem International Contemporary Ensemble, Talea, den San Francisco Music Players und Dal Niente. Projekte aus jüngster Zeit sind: Filament für Trio, Orchester und bewegte Stimmen; The Force of Things: An Opera for Objects, eine immersive intermediale Oper, die vom International Contemporary Ensemble bei den Internationalen Ferienkursen für Neue Musik Darmstadt 2016 aufgeführt wurde; Anima: For Augmented String Quartet, ermöglicht durch IRCAM und GMEM-Centre National de Création Musicale für das Diotima Quartet und Bound to the Bow für Orchester und Elektronik, das ein Auftragswerk der New York Philharmonic Biennial 2016 ist war Ashley Fure Stipendiatin des Berliner Künstlerprogramms des DAAD. 8

9 Justė Janulytė Dimitrij Matvejev Justė Janulytė, 1982 in Vilnius geboren, studierte an der Litauischen Musik- und Theaterakademie, in Mailand am Konservatorium Giuseppe Verdi und nahm an verschiedenen Meisterklassen teil. Sie hat mit einigen weltweit führenden Ensembles und Solist*innen zusammengearbeitet, u.a. mit: Teatro La Fenice Symphonieorchester, dem Symphonieorchester der Oper Gothenburg, dem Walisischen Symphonieorchester der BBC, dem Nationalen Symphonieorchester des Polnischen Rundfunks, dem Philharmonischen Orchester Brünn, dem Französischen Flötenorchester, der Sinfonietta Riga, der Birmingham Contemporary Music Group, dem Ensemble Bit20, mit Orchestrutopica, mit der Estnischen Kammerphilharmonie und Männerchor, dem Kammer orchester des Dänischen Radios, mit Sequenza 9.3 und dem Chor Camerata Silesia, mit Quasar, mit den Saxofonquartetten Xasax und Flotilla, den Violoncellisten Mario Brunello, Henri Demarquette, Francesco Dillon und Anton Lukoszevieze, dem Flötisten Manuel Zurria, dem Saxofonisten Marcus Weiss und dem Harfenisten Goska Isphording. Ihre Werke werden in Europa, Amerika und Australien aufgeführt und sind bei zahlreichen Musikfestivals präsent wie dem Sydney Festival, Schleswig-Holstein Musik Festival, Musik Biennale in Venedig, Festival Romaeuropa, Holland Festival, Warschauer Herbst, Huddersfield Contemporary Music Festival, SonicA (Glasgow), MaerzMusik (Berlin), Biennale Némo (Gaîté lyrique, Paris), festival musica (Strasbourg), musikprotokoll im steirischem Herbst (Graz), Musicadhoy (Madrid), Vale of Glamorgan Festival (Cardiff), Expositions of New Music, Moravian Autumn Festival (Brünn), Gaida (Vilnius), um nur einige zu nennen. Mit ihrer Komposition White music für 15 Streicher, vom Litauischen Komponistenverband mit dem Preis Bestes Kammermusikwerk des Jahres versehen, wurde sie einer größeren Öffentlichkeit bekannt. Auch ihre nächsten fünf Kompositionen haben diese Auszeichnung erhalten gewann sie mit Aquarelle für Chor den 1. Preis in der Kategorie Komponst*innen unter 30 beim International Rostrum of Composers in Paris wurde sie mit dem Junge- Künstler-Preis des Litauischen Kulturministeriums geehrt und 2017 mit der höchsten künstlerische Auszeichnung Litauens, dem Nationalpreis für Kunst und Kultur. Der größte Teil ihres Werkes ist für dichte monochromatische meist nur aus Streichern oder Bläsern oder Stimmen bestehende Ensembles geschrieben. Sie loten die Wahrnehmung von musikalischer Zeit und Raum aus mit großflächigen, vielschichtigen Texturen und extrem gradueller Metamorphose. Ihre Klangästhetik bewegt sich zwischen Minimal Musik, spektraler Musik und Drohnen-Musik. Justė Janulytė komponiert 9

10 Olga Neuwirth Harald Hoffmann auch akustische Metaphern von optischen Ideen ( Observation of Clouds für Stimmen, Bläser und Streicher, The Colour of Water für Saxofon Solo und Orchester und Here at the quiet Limit für Männerchor und Streichorchester) und untersucht die visuelle Seite musikalischer Phänomene in ihren Arbeiten, in denen sie Klang und Bild verbindet ( Breathing Music für Streichquartett, Elektronik und kinetischen Skulp turen, Eclipses für vier Streicher, Live-Elektronik und schalldichter Glass installation, Sandglasses für vier Violon cellos, Elektronik und Video-Szenografie). Justė Janulytė unterrichtet zurzeit an der Litauischen Musik- und Theaterakademie und lebt in Vilnius und Mailand. Olga Neuwirth wurde 1968 in Graz (Österreich) geboren. Ab dem siebten Lebensjahr hatte sie Trompetenunterricht studierte sie in San Francisco am Conservatory of Music und am Art College Malerei und Film. In Wien führte sie ihre Studien an der Hochschule für Musik und Darstellende Kunst sowie am Elektroakustischen Institut weiter. Wesentliche Anregungen erhielt sie durch die Begegnungen mit Adriana Hölszky, Tristan Murail und Luigi Nono wurde Olga Neuwirth mit ihren beiden Mini-Opern nach Texten von Elfriede Jelinek mit nur 22 Jahren das erste Mal international bekannt wurde sie im Rahmen der Reihe Next Generation bei den Salzburger Festspielen in zwei Porträtkonzerten vorgestellt und im darauffolgenden Jahr kam ihr erstes abendfüllendes Musiktheater Bählamms Fest mit einem Libretto der Nobelpreisträgerin Elfriede Jelinek nach Leonora Carrington in einem Bühnenbild der Brothers Quay bei den Wiener Festwochen zur Uraufführung. Ihr für Pierre Boulez und das London Symphony Orchestra geschriebenes Werk Clinamen / Nodus war nach der Londoner Uraufführung 2000 in einer weltweiten Tournee zu hören war sie Composerin-Residence bei den Luzerner Festwochen, wo sie auch das Remixen ihrer Musik durch DJ Spooky auf das Programm setzte. Neuwirth lässt sich oft von anglo-amerika- 10

11 nischen Kulturen inspirieren, so z.b. in ihrem 2003 uraufgeführten Musiktheater Lost Highway nach David Lynchs gleichnamigem Film. Der Neuproduktion der English National Opera im Young Vic wurde 2009 der South Bank Show Award verliehen. Seit ihrer Teen - ager-zeit interessiert sich Olga Neuwirth für Wissenschaft, Architektur, Literatur, Film und Bildende Kunst, und daher lässt sie in vielen ihrer Stücke seit den frühen 1990er Jahren Ensemble, Elektronik und Videoeinspielungen zu einem genreübergreifenden visuellen und akustischen Sinnerlebnis verschmelzen. Dafür gilt sie in der sogenannten Neuen Musik-Szene als Pionierin. Aus diesem vielfältigen Interesse heraus entstanden auch verschiedene Klanginstallationen, Ausstellungen, Theater- und Filmmusiken, die mit der Einladung zur documenta 12 in Kassel ihren Höhepunkt fanden und 2009 entstanden zwei Solokonzerte: ein Trompetenkonzert für Håkan Hardenberger und ein Viola-Konzert für Antoine Tamestit. Olga Neuwirth erhielt verschiedene nationale und internationale Preise, u. a den Großen Österreichischen Staatspreis gab es die Premieren gleich zweier neuer Musiktheaterwerke: The Outcast nach dem Leben und Werk von Herman Melville und American Lulu, eine Neuinterpretation von Alban Bergs Lulu. Diese war 2013 in einer Neuproduktion in Bregenz, Edinburgh und London zu hören. Masaot / Clocks without Hands, geschrieben für die Wiener Philharmoniker, wurde im Mai 2015 in Köln unter Daniel Harding uraufgeführt. Nach Aufführungen in Wien und Luxemburg dirigierte es Valerij Gergiev in der Carnegie Hall. Le Encantadas o le avventure nel mare delle meraviglie für sechs Ensemblegruppen und (Live-)Elektronik ist ein gemeinsamer Auftrag von Ensemble intercontemporain, Cité de la musique, Festival d Automne à Paris, Donaueschinger Musiktage, IRCAM, Lucerne Festival und dem Wiener Konzerthaus wurde das Werk bei den Festivals musica in Straßburg und bei Wien Modern aufgeführt. Das Schlagzeugkonzert Trurliade Zone Zero ist ein Auftrag der Roche-Commission und wurde beim Lucerne-Festival unter der Leitung von Susanna Mälkki mit Victor Hanna uraufgeführt, wo Olga Neuwirth 2016 als Composer-in-Residence im Zentrum stand. Weitere Aufführungen erfolgten beim Musikfest Berlin und bei Wien Modern. Im Februar 2018 wurde das neue Flötenkonzert Aello ballet mécanomorphe vom Swedish Chamber Orchestra und der Flötistin Claire Chase uraufgeführt. Am 4. August 2018 feierte Olga Neuwirth ihren 50. Geburtstag. Die internationale Musikwelt würdigt die Komponistin zu diesem Anlass mit zahlreichen Konzerthighlights. Dazu zählen die Uraufführung der revidierten Fassung des Musicstallation-theaters The Outcast sowie die Uraufführung von 11

12 Peter Rundel Henrik Jordan Neuwirths Live-Vertonung des frisch restaurierten Stummfilms Die Stadt ohne Juden bei Wien Modern, die Deutschlandpremieren beider Werke auf Kampnagel in Hamburg und die UK-Erstaufführung von Aello ballet mécanomorphe bei den BBC Proms, gefolgt von fünf weiteren Interpretationen des Werks in fünf Ländern. In Arbeit ist ihre neue Oper Orlando, die Ende 2019 an der Wiener Staatsoper Premiere feiert. Olga Neuwirth lebte in San Francisco, New York, Prag, Paris, Venedig, Triest, Wien und Berlin. Sie ist seit 2006 Mitglied der Akademie der Künste Berlin und seit 2013 Mitglied der Akademie der Künste München. Die tiefe Durchdringung komplexer Partituren der unterschiedlichsten Stilrichtungen und Epochen bis hin zur zeitgenössischen Musik sowie seine dramaturgische Kreativität machen Peter Rundel zu einem gefragten Partner führender europäischer Orchester. Regelmäßig gastiert er beim Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, dem DSO Berlin und den Rundfunkorchestern des WDR, NDR, des Saarländischen Rundfunks und des SWR. Internationale Gastengagements führten ihn zuletzt unter anderem zum Orchestre Philharmonique de Radio France, Orchestre National de Lille, Orchestre Philharmonique de Luxembourg, Brussels Philharmonic, Orchestra del Maggio Musicale Fiorentino, Orchestra del Teatro dell Opera Roma, zu den Wiener Symphonikern und zum hr Sinfonieorchester Frankfurt. Die Zusammenarbeit mit Ensembles zeitgenössischer Musik wie Klangforum Wien, Ensemble Musifabrik, Collegium Novum Zürich, Ensemble intercontemporain Paris oder dem Asko Schönberg Ensemble ist ebenfalls ein fester Bestandteil seiner Dirigententätigkeit. Peter Rundel ist auch als Operndirigent sehr gefragt. Er leitete Opernaufführungen an der Deutschen Oper Berlin, der Bayerischen Staatsoper, bei den Wiener Festwochen, am Gran Teatre del Liceu, den Bregenzer Festspielen und den Schwetzinger SWR Festspielen. Seine Operntätigkeit umfasst sowohl das traditionelle Repertoire als auch 12

13 bahnbrechende Produktionen zeitgenössischen Musiktheaters wie Stockhausens Donnerstag aus LICHT, Massacre von Wolfgang Mitterer und die Uraufführungen von Georg Friedrich Haas Nacht und Bluthaus u.v.a.m. Die von ihm dirigierte spektakuläre Inszenierung von Carl Orffs Prometheus bei der Ruhrtriennale wurde 2013 mit dem Carl-Orff-Preis gewürdigt. Außerdem tourte er mit Heiner Goebbels 2014 für die Ruhrtriennale entstandenen Inszenierung von Louis Andriessens De Materie an die Amory Hall in New York (2016) und an das Teatro Argentino La Plata (2017). Mit der Uraufführung von Hector Parras Les Bienveillantes in der Regie von Calixto Bieito ist er 2019 erstmals an der Opera Vlaanderen zu Gast. Geboren in Friedrichshafen, studierte Peter Rundel Violine bei Igor Ozim und Ramy Shevelov sowie Dirigieren bei Michael Gielen und Peter Eötvös bis 1996 war er als Geiger Mitglied des Ensemble Modern, mit dem er auch als Dirigent auf eine langjährige Zusammenarbeit zurückblickt. Nach Tätig keiten als musikalischer Leiter des Königlich-Philharmonischen Orchesters von Flandern sowie der damals neu gegründeten Kammerakademie Potsdam übernahm Peter Rundel im Januar 2005 die Leitung des Remix En semble Casa da Música in Porto. Inzwischen feiert dieses Ensemble für Neue Musik Erfolge bei wichtigen Festivals in ganz Europa. Mit großem Engagement widmet sich Peter Rundel zudem der Ausbildung und Förderung des musikalischen Nachwuchses. In Porto gründete er die Remix Academy für Ensemblemusiker und Dirigenten. Neben einer eigenen Dirigierwerkstatt, die er in Bayern leitete, unterrichtet er regelmäßig im Rahmen internationaler Ensembleakademien unter anderem mit der London Sinfonietta, dem Ulysseus Ensemble bei der Manifeste Academy in Paris, am Teatro alla Scala Mailand und der Lucerne Festival Academy. Für seine Aufnahmen mit Musik des 20. Jahrhunderts erhielt Peter Rundel zahlreiche Preise, darunter mehrmals den Preis der deutschen Schallplattenkritik (Nono, Prometeo ; Kyburz, Ensemble- und Orchesterwerke; Reich, City Life ; Furrer, Klavierkonzert) sowie den Grand Prix du Disque (Barraqué, Gesamtwerk), eine Grammy-Nominierung (Heiner Goebbels, Surrogate Cities ) und einen Echo Klassik ( Sprechgesänge mit dem Ensemble Musikfabrik). 13

14 Konzerthausorchester Berlin Marco Borggreve 1952 als Berliner Sinfonie-Orchester (BSO) gegründet, erfuhr es unter Chefdirigent Kurt Sanderling (1960 bis 1977) seine entscheidende Profilierung und internationale Anerkennung wurde Günter Herbig zum Chefdirigenten berufen, 1984 gefolgt von Claus Peter Flor. In diesem Jahr bekam das Orchester als eigene Spielstätte das Schauspielhaus am Gendarmenmarkt. Unter Michael Schønwandt (1992 bis 1998) wurde das BSO offiziell zum Hausorchester am Konzerthaus Berlin. Nach fünf Spielzeiten unter Eliahu Inbal (2001 bis 2006) begann 2006 die Amtszeit von Lothar Zagrosek. Im selben Jahr wurde aus dem Berliner Sinfonie-Orchester das Konzerthausorchester Berlin. Chefdirigent von 2012 bis 2018 war der Ungar Iván Fischer, der dem Klangkörper seitdem als Ehrendirigent verbunden ist. Mit der Saison 2019/20 übernimmt Christoph Eschenbach die Position des Chefdirigenten. Seit der Saison 2017/18 ist Juraj Valčuha Erster Gastdirigent. Heute gehört das Konzerthausorchester Berlin mit seinen über Abonnenten zu den Klangkörpern mit der größten Stammhörerschaft in ganz Deutschland. In mehr als 100 Konzerten pro Saison begeistert es sein Publikum im Haus am Gendarmenmarkt mit Werken von Monteverdi bis Lachenmann. Darüber hinaus ist es regelmäßig national und international auf Tourneen und Festivals zu hören. An der 2010 gegründeten heutigen Kurt-Sanderling-Akademie werden hochbegabte junge Orchestermusiker*innen ausgebildet. Während der letzten Jahre hat das Konzerthausorchester sein Profil auf ein wesentliches Anliegen hin besonders geschärft: dem Publikum Musik nahe zu bringen. Dafür engagieren sich die Musiker*innen etwa beim begeistert aufgenommenen Format Mittendrin, wo Zuhörer im Konzert direkt neben Orchestermusikern sitzen, oder auch als Mitwirkende der Clips #klangberlins, die in den sozialen Medien millionenfach geklickt und geteilt wurden. Wie sehr sich das Konzerthausorchester der Stadt und ihrer Bevölkerung verbunden fühlt, zeigt sein direktes Engagement als Jugendorchestermentor im Rahmen von Tutti Pro, in mehreren Patenschulen und einem Krankenhaus sowie die dauerhafte Zusammenarbeit mit einer Wohnungsbaugesellschaft, die sozial benachteiligten Kindern Teilhabe in Form eines Zugangs zum Konzerthaus und zu klassischer Musik bietet. 14

15 Impressum / Imprint Maerz Musik Festival für Zeitfragen / MaerzMusik Festival for Time Issues Künstlerische Leitung / Artistic Director Berno Odo Polzer Organisationsleitung / Head of Organisation Ilse Müller Produktion / Production Linda Sepp, Ina Steffan, Jade Tan (Praktikantin / Trainee), Friedrich Weißbach, Jakob Claus (Mitarbeit / Collaboration Thinking Together) Spielstättenleitung und Künstlerbetreuung / Venue Management and Artists Service Karsten Neßler, Katalin Drabant, Thalia Hertel, Anna Crespo Palomar, Juliane Spencer Technische Produktionsleitung / Head of Technical Production Matthias Schäfer Bühnentechnik / Stage Technicians Harald Adams, Pierre Joël Becker, Sybille Casper, Birte Dördelmann, Stefan Frenzel, Daniel Gierlich, Victor Haberkorn, Susanne Honnef, Karin Hornemann, Ivan Jovanovic, Ingo Köller, Ricardo Lashley, Anne LeLievre, Hjördis Imke Linde, Mirko Neugart, Jason Osayi, Felix Petzold, Christoph Reinhardt, René Schaeffges, Juliane Schüler, Manuel Solms, Julie Louise Speck, Felix Stoffel, Camillo Weber, Daniel Weidmann, Martin Zimmermann, Matthias Zülke Beleuchtung / Lighting Günhan Bardak, Christian Benz, Severin Beyer, Frank Brösa, Katrin Büttner, Andreas Harder, Kathrin Kausche, Mathilda Krusche, Matthias Kümmel, Wolfgang Kunwald, Ruprecht Lademann, Boris Meier, Juri Rendler, Franziska Robitsch, Michael Rudolph, Lydia Schönfeldt, Frank Szardenings, Jens Tuch, Bastian Vogel, Tajima Sachiko Zimmermann Ton, Videotechnik, Projektionstechnik / Sound, Video, Projections Aiks Dekker, Detlef Feiertag, Florian Fischer, Jörn Gross, Stefan Höhne, Jürgen Kramer, Tilo Lips, Thomas Meier, Hartwig Nickola, Ulla Pittermann, Felix Podzwadowski, Fernando Quartana, Tony Scheunemann, Torsten Schwarzbach Stand / Dated: Programm- und Besetzungsänderungen vorbehalten / We reserve the right to make alterations to the programme and casting. Abendprogramm / Programme Information Herausgeber / Editor Berliner Festspiele Redaktion / Editorial Department Dr. Barbara Barthelmes, Ilse Müller Grafik / Graphic Design Christine Berkenhoff Presse / Press Officers Patricia Hofmann, Ida Steffen Visuelles Konzept & Design / Visual Concept & Design Eps51 Herstellung / Production Medialis Offsetdruck GmbH, Berlin Berliner Festspiele, die Autor*innen und Fotograf*innen. Alle Rechte vorbehalten. Abdruck (auch auszugsweise) nur mit Genehmigung der Herausgeber*innen und Autor*innen. Copyright Berliner Festspiele, the authors and photographers. All rights reserved. Reprints (including extracts) can only be made with the permission of the publishers and authors. Veranstalter / Presented by Berliner Festspiele Ein Geschäftsbereich der Kulturveranstaltungen des Bundes in Berlin GmbH / A Division of Kulturveranstaltungen des Bundes in Berlin GmbH Intendant / Director Dr. Thomas Oberender Kaufmännische Geschäftsführung / Commercial Director Charlotte Sieben Leitung Kommunikation / Head of Communication Claudia Nola Berliner Festspiele Schaperstraße 24, Berlin T info@berlinerfestspiele.de berlinerfestspiele.de Gefördert durch / Funded by Reader Im Reader finden Sie Originalbeiträge von Künstler*innen, Essays, Graphiken und Fotos. Erhältlich ist er hier vor Ort und im Online-Shop. Der Reader 2019 kostet 6. Sie können die Reader 2017 und 2018 zusätzlich im Paket zum Preis von 4 erwerben. Viel Spaß beim Schmökern! im Paket für 10 15

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