BIG 4 Tom Dixon 14. VORWERK FLOORING People Projects Culture Januar 2015 #9. über Bodenarchitektur. Editorial Augmented Reality, 2

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1 VORWERK FLOORING People Projects Culture Januar 2015 #9 über Bodenarchitektur Editorial Augmented Reality, 2 News The virtual trade-fair booth, 3 Nomad Studio, 3 New Collection TEXtiles, 6 Projection, 8 Poster, Werner Aisslinger, 10 Elementary Shapes, 12 Referenz Rabobank, Roermond, 16 ETH Zürich, 17 EZB, Frankfurt am Main, 18 Art Commitment Tobias Hantmann, 20 Interview BIG 4 Tom Dixon 14

2 2 Editorial News 3 Editorial Zum neuen Jahr präsentiert sich das DIALOG-Magazin #9, das Sie in den Händen halten, im neuen Kleid, das wir Ihnen in dieser Ausgabe stolz präsentieren. Zum ersten Mal binden wir das Thema Augmented Reality ein: Die gedruckten Inhalte werden durch digitalen Content ergänzt. Die Virtualität im Dialog mit der realen Welt umgibt uns täglich. Die neue Europäische Zentralbank war in Visualisierungen schon lange Teil der Frankfurter Skyline, bevor der erste Stein gesetzt wurde. Das Großprojekt war bereits in einer früheren Ausgabe Thema: Im Dialog #4 vom April 2011 führten wir ein Interview mit einem der Gründer von COOP HIMMELB(L)AU, Wolf D. Prix. Nun wurde die EZB nach nur dreijähriger Bauzeit eröffnet. Im Inneren generierten die Architekten mittels Spezialsoftware ein komplexes Verlegemuster aus VORWERK-Freiformfliesen Forma Crystal. COOP HIMMELB(L)AU entwickelte sich von einer Gruppe Architektur-Revolutionäre der 60er zum Mitbegründer der dekonstruktivistischen Architektur in den 80ern. Mittlerweile gehört die Firma zu den etabliertesten Architekturbüros weltweit. Doch schon meldet sich eine neue Generation künftiger Stararchitekten an, deren wohl populärster Vertreter Bjarke Ingels ist. Pünktlich zu seinem 40. Geburtstag wird im National Building Museum in Washington, D.C. eine Retrospektive seines Werks eröffnet. Mit Ingels Partner Kai- Uwe Bergmann führten wir ein Gespräch über die wegweisenden Ideen des Büros BIG und über Bjarke Ingels steile Karriere. Tom Dixon gilt als zuverlässigster Begründer neuer Trends in der Designbranche. Indem er seine Firma völlig anders strukturiert und Prozesse neu lenkt, will er die Designindustrie revolutionieren. Wie er das erreichen möchte und wie man als Marke und als Person seine Identität bewahrt, können Sie ebenfalls in dieser Ausgabe erfahren. Eine ungewisse Zukunft haben die flüchtigen Abbildungen, die Tobias Hantmann schuf eine Handbewegung genügt, um die fragilen Werke zu zerstören. Die Dokumentation der faszinierenden Verwandlung von Veloursteppichen in monumentale Kunstwerke ist Teil dieser Ausgabe und auch Gegenstand des Vorwerk Art Commitments. Wir laden Sie außerdem ein, unseren virtuellen Messestand dreidimensional zu besuchen oder etwas ganz Persönliches über Werner Aisslinger zu erfahren, mit dem wir einzigartige Projekte verwirklichen konnten: Aisslingers Kollektion Elementary Shapes, eine neue Teppichinnovation, und seine Entwürfe für die Kollektion TEXtiles stellen wir erstmals in dieser Ausgabe vor, bevor sie auf der DOMOTEX in Hannover und auf der BAU in München zu sehen sein werden. Wir freuen uns darauf, Sie dort begrüßen zu dürfen. Discover the digital newspaper Laden Sie sich im Apple-App-Store oder im Google-Play-Store die AR-LIVE-SCAN-App herunter. Download the AR LIVE SCAN app from the Apple App Store or the Google Play store. Halten Sie in der Zeitung nach dem AR-LIVE- SCAN-Symbol Ausschau. Look for the AR LIVE SCAN symbol in the newspaper. Starten Sie die App und wählen Sie die Scan- Funktion. Halten Sie Ihr Smartphone oder ipad über ein Bild mit dem AR-LIVE-SCAN-Symbol. Start the app and choose the Scan function. Hold your smartphone or ipad over a picture bearing the AR LIVE SCAN symbol. The virtual trade-fair boothder virtuelle Messestand Exklusiv für DIALOG Leser Am Anfang des Jahres jagt ein Ereignis das andere: Die DOMOTEX in Hannover, die am 17. Januar beginnt, ist mit Besuchern die Weltleitmesse für Bodenbeläge. Nur zwei Tage später öffnet die BAU 2015 in München ihre Pforten, die weltweit führende Baufachmesse für Architektur, Materialien und Systeme. Vorwerk wird Anfang des Jahres traditionell auf diesen bedeutenden Branchenmessen vertreten sein, um unseren Kunden und den Messebesuchern unsere neuesten Produktentwicklungen zu präsentieren. Als DIALOG-Leser erhalten Sie bereits jetzt eine Vorschau auf das, was bisher in unseren Entwicklungslaboren und Design-Ateliers fieberhaft vorbereitet wurde. Möglich wird dies durch neue, multimediale Technologie: Hinter der abgebildeten Visualisierung liegen virtuelle Welten, die Sie durch einen einfachen Scan mit Ihrem Mobiltelefon oder Tablet erkunden können. So ist es möglich, sich interaktiv um unsere Messestände zu bewegen und durch Anklicken der aktiven Punkte exklusive Informationen über unsere Neuheiten zu erhalten. Wir wünschen Ihnen viel Spaß dabei und freuen uns, Sie auf unserem Messestand begrüßen zu dürfen sowohl im World Wide Web als auch in Hannover und München! Exclusively for DIALOG readers The events come fast and furious to start off the year: At last count, 95,000 visitors come to DOMOTEX, the world s leading trade fair for floor coverings that begins on 17 January in Hanover, Germany. Only two days later the gates open in Munich for BAU 2015, the world s leading trade fair for architecture, materials and systems. In keeping with tradition to commence the year, Vorwerk is going to be represented at both of these trade fairs bearing significance for the industry in order to present our most recent product developments to our customers and those visiting the fairs. As a DIALOG reader you are already obtaining a preview of what has been prepared until now at a feverish pace in our development labs and design studios. What makes this possible is new, multimedia-oriented technology: Virtual worlds lie behind a given depicted visualisation, worlds that you can explore via a simple scan using your mobile phone or tablet. This enables you to move around our trade-fair booths interactively and obtain exclusive information about our new products by clicking on the activated points. We wish you lots of fun thereby and look forward to welcoming you at our trade-fair booth: in the World Wide Web as well as in Hanover and Munich! und den virtuellen Messestand auf der DOMOTEX 2015 in Hannover entdecken. and discover the virtual trade-fair booth at DOMOTEX 2015 in Hanover. Nomad Studio Ihr Johannes Schulte President & CEO Vorwerk Teppichwerke Die Innenarchitektin Jutta Werner To usher in the new year, the magazine you hold in your hands entitled DIALOG #9 is being displayed in a new attire that we proudly present to you with this issue. This is the first time we are incorporating the topic of augmented reality : printed subject matter is being augmented via digital content. In dialogue with the real world we are enveloped by virtuality day in, day out. For instance, in visualisations the new European Central Bank was part of the Frankfurt skyline long before the first stone was set. This large-scale project had already been a subject of an earlier issue: In DIALOG #4 from April 2011 we conducted an interview with Wolf D. Prix, one of the co-founders of COOP HIMMELB(L)AU. Now the ECB has been inaugurated after a construction phase of only three years. In the interior the architects utilised a special software to generate a complex installation pattern consisting of freely shaped Vorwerk Forma Crystal carpet tiles. COOP HIMMELB(L)AU evolved from a group of architectural revolutionaries during the 1960s into co-founders of deconstructivist architecture in the 80s. In the meantime they number among the most established architectural bureaus worldwide, albeit a new generation of future star architects has readily made itself known, and its most popular representative is Bjarke Ingels. A retrospective of his work will be opening at the National Building Museum in Washington, D.C. right on time for his 40th birthday. We talked with one of his partners, Kai-Uwe Bergmann, about the pioneering ideas at BIG, their bureau, and about Bjarke Ingels s stellar career. Tom Dixon is viewed as the most dependable creator of new trends in the field of design. He aims to revolutionise the design industry by structuring his firm completely differently and steering processes in new ways. You can find out how he wants to achieve this and retain one s identity as a brand and a person in this issue, too. The ephemeral depictions created by Tobias Hantmann have an uncertain future: one motion of a hand is enough to destroy these fragile works. The documentation of the fascinating transformation of velours carpets into monumental works of art forms a part of this issue and is just as much a focus of the Vorwerk Art Commitment. We also invite you to visit our virtual trade-fair booth, which you can now do three-dimensionally, or to learn something very personal about Werner Aisslinger, with whom we were able to realise one-of-a-kind projects. We are presenting Aisslinger s collection entitled Elementary Shapes, a new innovation in carpeting, together with his designs for the TEXtiles collection for the first time in this issue before they can be seen at the DOMOTEX trade fair in Hanover and at BAU in Munich. We look forward to welcoming you there. Yours Johannes Schulte President & CEO Vorwerk Teppichwerke Visualisation of the Vorwerk trade-fair booth at DOMOTEX 2015, design by Jutta Werner, visualisation Virtual Design Unit Triple Darling for Vorwerk flooring Im Oktober 2014 vergab der Bau-Netzwerker Heinze in Celle als Auslober und Veranstalter der Architects Darling Awards 2014 den Goldenen Phoenix für die von Architekten favorisierten Bauprodukthersteller. Vorwerk räumte dieses Jahr gleich drei Preise ab: Die Produktkategorie Textile Bodenbeläge erhielt Gold und mit Bronze wurden das DIALOG-Magazin als beste Hauszeitschrift sowie RE/CO- VER green als elastomerer Bodenbelag ausgezeichnet. Die Auszeichnung wird stellvertretend für rund Architekten und Planer vergeben, die an einer großangelegten Befragung der Heinze Marktforschung teilgenommen hatten. As the initiating authority and organiser of the Architects Darling Awards 2014, Heinze, a networking platform for the construction industry, presented the Golden Phoenix for building product manufacturers favoured by architects in October 2014 in Celle, Germany. This year Vorwerk walked away with not one but three prizes: Gold was received in the product category Textile Floorings, Bronze was awarded to DIALOG as the Best In-House Magazine and to RE/COVER as an elastomer-based flooring. The award is given representatively for around 1,700 architects and planners who had taken part in a large-scale survey conducted by Heinze market research. Bereits als 25-Jährige machte sich die 1969 geborene Innenarchitektin Jutta Werner nach ihrem Architekturstudium an der HFBK Hamburg selbständig. Ihre Entwürfe wirken von Anfang an leicht, simpel, elegant und schlicht. Dahinter verbirgt sich jedoch ein ruheloser Motor, der es versteht, hochkomplex und äußerst professionell zu arbeiten. Für diese Eigenschaften geschätzt, hat sich Jutta Werner in der Designwelt schnell einen Namen als Interior-Maßschneiderin gemacht. Weltweit agierende Firmen wie DEDON, JAB, Ligne Roset, Rolf Benz und andere beauftragen Jutta Werner mit der Gestaltung unterschiedlichster Projekte. Äußerst vielseitig in ihrer Ausrichtung, hat die Wettbewerbssiegerin des designxport/hafencity-preises nicht nur die Hotelausstattung der deutschen Nationalspieler während der Fußball- Europameisterschaft betreut, sondern auch prominente Persönlichkeiten bei der Gestaltung ihrer Häuser unterstützt. Trotz unterschiedlichster Anforderungen bleibt ihre feine Handschrift immer spürbar. Interior designer Jutta Werner Born in 1969, interior designer Jutta Werner already opted for self-employment at the age of 25 after completing her studies in architecture at the University of Fine Arts (HFBK) in Hamburg, Germany. Her designs have a light, simple, elegant and unpretentious appearance from the very start. Yet what lies hidden away behind them is a relentless engine that grasps how to work in a highly complex and extremely professional manner. Acknowledged for these kinds of attributes, Jutta Werner rapidly made a name for herself in the design world as a bespoken tailor for interiors. Companies operating worldwide such as DEDON, JAB, Ligne Roset, Rolf Benz and others commission Jutta Werner to do the designing for the widest variety of projects. With an orientation that can only be termed extremely heterogeneous, the winner of the designxport/hafencity prize competition not only supervised the hotel furnishings provided for the players on the German national team during the UEFA European Football Championship: she has equally assisted prominent celebrities in designing their homes. Despite the widest-ranging demands and specifications to be met, the cultivated thumbprint she leaves behind can always be sensed.

3 4 Interview BIG Interview BIG 5 Interview mit Kai-Uwe Bergmann Die Bjarke Ingels Group, kurz BIG, wurde 2005 vom dänischen Architekten Bjarke Ingels gegründet. Es war bereits die zweite Firmengründung von Ingels, der zuvor mit Julien de Smedt das Büro PLOT Architects geführt hatte und schon mit 29 Jahren den Goldenen Löwen der Biennale in Venedig gewann. Heute ist BIG eines der weltweit größten Architekturbüros und feiert internationale Wettbewerbserfolge. Im Jahr 2009 entschied sich Bjarke Ingels aufgrund des starken Wachstums des Büros, fünf neue Partner in die Leitung aufzunehmen. Kai- Uwe Bergmann, gebürtiger Amerikaner und Sohn deutscher Eltern, war bereits seit 2006 Leiter der Geschäftsentwicklung und Kommunikation von BIG und wurde nun zum Partner berufen. Wir sprachen mit Kai-Uwe Bergmann über das Büro Bjarke Ingels Group und Bjarke Ingels als Person. Mit seinen 39 Jahren kann man Bjarke Ingels den derzeit weitaus jüngsten Star -Architekten nennen. Mit Intelligenz, großem Charisma und ohne die Bodenhaftung zu verlieren, verkörpert er die Ideale einer neuen Generation von Architekten. Dialog: BIG den Namen kann man wörtlich nehmen; das Büro ist seit der Gründung rasant gewachsen. Wie kann eine Firma so schnell expandieren und wie baut man so zügig ein operatives und strategisches Management auf? Kai-Uwe Bergmann: Die Frage beantwortet sich am besten, wenn man etwas von der Genesis des Büros berichtet. Heute zählt BIG rund 200 Mitarbeiter, verteilt auf drei Büros in Kopenhagen, New York und Beijing. BIG entstand aus PLOT Architects, dem Büro, das Bjarke gemeinsam mit Julien de Smedt schon mit 27 Jahren gegründet hatte. Sie kannten sich von OMA, dem von Rem Kohlhaas gegründeten Office of Metropolitan Architecture, in dem sie gemeinsam gearbeitet hatten. Am Anfang arbeiteten Bjarke und Julien zu zweit von zuhause aus und da sie in rascher Folge drei wichtige Wettbewerbe gewannen, wuchs das Büro schnell auf 10 Mitarbeiter heran. Also ein ziemlich großes Büro für zwei junge Architekten, die sich gerade erst selbständig gemacht hatten. In den folgenden fünf Jahren arbeiteten immer ungefähr Mitarbeiter bei PLOT und die ersten signifikanten Bauwerke wurden realisiert, wie das Hafenbad Islands Brygge in Kopenhagen und die preisgekrönten VM Houses. Nach den ersten fünf Jahren beschlossen Bjarke und Julien aufgrund verschiedener Zukunftspläne, trotz des großen gemeinsamen Erfolges zwei neue Büros zu gründen. Bjarke gründete BIG und Julien gründete JDS. Man sieht also: BIG entstand nicht aus dem Nichts, es gab schon eine erfolgreiche Firma davor und das erklärt auch ein Stück weit das schnelle Wachstum. Was ist aus den Mitarbeitern der früheren Büros geworden? Von den 40 Mitarbeitern gingen 30 mit Bjarke mit und zehn mit Julien. Die meisten dieser 30 Mitarbeiter sind immer noch Teil unseres heutigen Büros. BIG ist auf drei Standorte verteilt, die sich auf drei verschiedenen Erdteilen befinden. Wie behält man bei diesen Entfernungen die gemeinsame Vision im Auge und koordiniert die strategische Weiterentwicklung der Büros? Wir waren immer sehr global in unserem Denken. Diese drei Büros geben uns die Möglichkeit, in den verschiedensten Teilen der Welt tätig zu sein. Die meisten Projekte haben wir immer noch in Europa und Nordamerika und werden durch die Büros in New York und Kopenhagen bearbeitet. Das Büro in Beijing haben wir bis jetzt nur projektbezogen betrieben. Heute haben wir dank der Technologie die Möglichkeit, weltweit an Meetings und Entscheidungen teilzunehmen. In allen Unternehmen, die weltweit arbeiten, findet man Wege, um präsent zu sein und sich den verschiedenen Märkten anzupassen. Derzeit haben wir in 17 verschiedenen Ländern Projekte in unterschiedlichen Stufen der Ausarbeitung. Lokale Berater unterstützen uns etwa bei Normen und Gesetzgebung mit landesspezifischem Know-how. Die Entscheidung, global tätig zu sein, war für unser Büro wegweisend. Vor der Finanzkrise 2008 lagen 95 % unserer Projekte innerhalb von 100 km im Umkreis von Kopenhagen. Wir hatten zu diesem Zeitpunkt ungefähr 80 Mitarbeiter. In der Krise wurden 50 % der Projekte eingefroren oder gestrichen. Nun mussten wir uns die Frage stellen: Sollen wir 60 Mitarbeiter entlassen oder sollen wir auf der Suche nach neuen Projekten andere Länder erschließen? Die Folge war, dass wir in der Zeit zwischen , also der ganzen Krisenzeit, nicht etwa Stellen abgebaut haben, sondern gewachsen sind! Wir haben Projekte in Taiwan, China, im Nahen Osten und in Nordamerika akquiriert. Die Krise hat also uns viel globaler gemacht wir haben weltweit nach Arbeit gesucht und wir haben sie bekommen! Sie haben die Krise in eine Chance verwandelt. Ja, das war ein wunderschöner Wendepunkt, denn wir haben uns entschieden, etwas anders zu machen und Neues zu wagen, anstatt zu kapitulieren und Mitarbeiter zu entlassen. Ein Beispiel für mehrfach genutzte Energie ist die Waste-to- Energy Plant, auf deren Dach eine Skipiste nach unten führt. Der Schornstein speit Rauchringe. Im Rauch soll man Laserprojektionen am Himmel sehen. Können Sie das wirklich alles umsetzen? Das Gebäude wird 2017 fertig und die Skipiste ist gerade in der Abstimmungsphase bei der Stadt. Für die Rauchringe haben wir erste Tests durchgeführt, die im Video zu sehen sind (*siehe AR+ Scan-Anleitung auf der folgenden Seite rechts unten). Wir können einen Rauchring im Maßstab 1:10 simulieren und bauen jetzt ein Versuchsmodell im Maßstab 1:2. Bei den Laserprojektionen haben wir noch keinen definitiven Stand. Skipiste, Rauchringe, Projektionen all diese Dinge sind so lebensfroh und machen Spaß, doch wie können Sie die Bauherren von den Mehrkosten überzeugen, die nicht dem eigentlichen Zweck des Gebäudes dienen? Da könnte man auch fragen: Warum bezahlt man für einen Audi mehr als für einen Ford Escort? Die Skipiste dient der Öffentlichkeit. Die Stadt Kopenhagen bezahlt die Hälfte der Skipiste, die andere Hälfte wird durch private Mittel, wie z.b. Stiftungen, finanziert. Die Rauchringe sind auch nichts Verrücktes oder rein Dekoratives; mit ihnen werden der Wasserdampf-Ausstoß bzw. die CO₂- Emissionen quantifiziert. Somit haben die Rauchringe einen informativen Charakter, der das Bewusstsein in der Bevölkerung schärft und hoffentlich dazu beitragen wird, den Energieverbrauch zu reduzieren. Das Projekt ging, wie viele der Entwürfe von BIG, durch die verschiedenen Blogs und durch die Architekturpresse und wurde begeistert aufgenommen. Die spektakulären Visualisierungen haben sicherlich dazu beigetragen. Wie nutzt BIG die 3D-Technologie im Entwurfsprozess und im Ausführungsprozess? Ich bin davon überzeugt, dass man nutzen muss, was es gibt! Als Michelangelo sein Treppenhaus in Florenz bauen wollte, fertigte er ein Holzmodell an, um die Medici von seinem Entwurf zu überzeugen. Heute haben wir viele Möglichkeiten. Am besten nutzt man alle, die uns derzeit zur Verfügung stehen: physische Modelle, virtuelle Modelle. Es ist wichtig, sich in allen Programmen schlau zu machen. In unserem Büro fließt das Know-how aus den verschiedensten Teilen der Welt zusammen etliche der 200 Architekten bringen neue Programme mit und wir probieren sie alle aus. Derzeit arbeiten wir mit ungefähr 30 Programmen! Auch Simulationen versuchen wir nunmehr intern zu durchzuführen, so wie Tageslichtsimulationen und Windsimulationen, also ingenieurtechnische Sachen, weil wir so einfach zügiger und effizienter zum Ziel kommen und unsere Prototypen schneller ausarbeiten können. BIG Ideals nennen wir dieses Projekt, das wir vor einem Jahr gestartet haben; unser Partner Jakob Lange ist dafür verantwortlich. Viele neue Innovationen kommen aus dem 3D-Druck. Daraus entstehen sicher auch verschiedenste Weisen des parametrischen Denkens und Entwerfens, so dass Design und Herstellung enger zusammenwachsen. Virtual-Reality- und Augmented-Reality-Darstellungen werden in der Architektur auch immer wichtiger, da die Technik und die Geräte dafür immer günstiger und leichter werden. Entstehen durch diese neuen Tools auch neue Entwurfsprozesse und eine neue Formensprache? Ja, ich glaube, durch diese Möglichkeit, mit 3D-Druckern schnell Prototypen zu generieren, kann man auf kostengünstige Art viele Ideen schnell physisch sichtbar machen. Bjarke Ingels wird bald 40 Jahre alt; er bereitet ein Buch und eine Ausstellung vor. Können Sie uns schon etwas verraten? Die Ausstellung wird am 24. Januar im National Building Museum in Washington eröffnet. Sie wird im Atrium des Museums zu sehen sein, wo derzeit The Maze, eine Installation von BIG, steht. Der Titel der Ausstellung wird Hot to Cold sein. Wir werden 60 Projekte zeigen; die meisten sind bereits realisiert oder sind im Bau. Wir ziehen die Jahresdurchschnittstemperatur heran, um die Projekte vom heißesten Land zum kältesten Land zu ordnen. Unsere Ikonen sind also nicht nach Programm, sondern nach klimatischen Verhältnissen geordnet. Das Buch wird wie bei der letzten Ausstellung, Yes is More, auch Katalog zur Ausstellung sein. Die meisten Ihrer Gebäude haben ikonographischen Charakter. Welches sind die Zutaten, um eine Ikone zu entwerfen? Wir entwerfen unsere Gebäude nicht unter dem Gesichtspunkt, einen ikonischen Effekt zu erzielen. Dieser ikonische Effekt entsteht in den Köpfen der Menschen, die das Gebäude betrachten. Eine Ikone ist ein Gebäude, das uns in Erinnerung bleibt, weil es Qualitäten besitzt, die man nicht vergisst. Das kann die Form sein, oder wie das Gebäude funktioniert, oder dass sich Teile des Gebäudes bewegen. Es kommt auf viele Faktoren an, warum ein Gebäude in unserer Erinnerung haften bleibt. Zum Beispiel ist das Sydney Opera House eine Ikone für ein Land. Weil man so ein Gebäude vorher noch nicht so gesehen hat und darüber hinaus hat es noch eine prägnante Funktion als Opernhaus. Der Titel von BIGs berühmter Werkschau Yes is more und des dazugehörigen Buches in Comicform bezieht sich auf Mies van der Rohes Credo Less is more, das viele Architekten damals wie heute verinnerlicht haben. Hat BIG ein Credo und wenn ja, welches? Yes is more ist sicher viel mehr als ein Ausstellungstitel, es ist unser Credo. Yes is more bezieht sich auf mehrere Statements, sowohl auf Less is more als auch auf Robert Venturis Less is a bore. Den klassischen Modernismus fand er als Vertreter der Postmoderne schmucklos bis zur Langeweile. Damit war auch gemeint, dass opportunistisches Bauen kein Fehler sei und dass man durchaus auf die Wünsche des Bauherren eingehen kann: Wenn dieser ein modernistisches Gebäude will, passt der Architekt sich an; wenn er ein dekoratives Gebäude will, dann auch. Unser Credo Yes is more entstand, als Obama mit seinem Slogan Yes we can den Positivismus zurück in die Politik holte. Wir suchen einen sehr positiven Zugang zu unserem Fach. Architektur ist von Negativität umgeben. Wir versuchen, diese Negativität möglichst zu umgehen, indem wir den positiven Weg suchen. Zum Beispiel bemühen wir uns bei zwei Gegnern um einen Kompromiss, der beiden gerecht wird. Das ist in dem Sinne das, was wir Architekten täglich machen. Es gibt so viele Gesetze, die manchmal hilfreich sind und manchmal hinderlich. In jedem Projekt gibt es Protagonisten und Antagonisten, gibt es politische Befürworter und Gegner also genug Faktoren, die den Bau eines Gebäudes manchmal sogar um ein Jahrzehnt verzögern können. Da muss man optimistisch und positiv bleiben. Eine Frage zum Abschluss des Gesprächs: Wenn man Ihnen vor 10 Jahren einen Rat hätte geben können, welcher wäre es gewesen? Das ist eine gute Frage! Was wäre das wohl gewesen? Ich denke, Apple-Aktien kaufen! Ja, guter Rat ist manchmal teuer! Vielen Dank für das Gespräch, Herr Bergmann! Yes is more Interview Bjarke Ingels, 2013 Thomas Loof 2. The BIG Maze, 2014 National Building Museum Washington D.C, USA, Kevin Allen 3. 8 Tallet, 2009 Copenhagen, Danmark, Dragoer Luftfoto 4. West 57th Street, 2010 New York, USA, BIG 5. VM Houses, 2005 Copenhagen, Dansk, Johan Fowelin 6. Honeycomb, 2013 Albany Marina Residences Building Nassau, Bahamas, BIG 7. Vancouver House, 2012 Vancouver, Canada, BIG 7. with Kai-Uwe Bergmann The Bjarke Ingels Group, BIG for short, was founded in 2005 by the Danish architect Bjarke Ingels. This was already the second firm created by Ingels, who had previously headed PLOT Architects together with Julien de Smedt and won a Golden Lion at the Biennale in Venice at the tender age of 29. Today BIG is one of the world s largest architectural bureaus and reaps success in international competitions. As a result of the company s strong growth, in 2009 Bjarke Ingels decided to bring five new partners to the management echelon. Kai-Uwe Bergmann, born in the USA and the son of German parents, had already been the director of business development and communications since 2006 and was now equally named a partner. We spoke with Kai-Uwe Bergmann about the Bjarke Ingels Group as a bureau and Bjarke Ingels as a person. At 39 Mr Ingels can be termed the youngest star architect by far. With intelligence and a great deal of charisma, yet with both feet stillon the ground, he embodies the ideals of a new generation of architects. Dialog: BIG. The name can be taken literally. The bureau has grown rapidly since it was founded. How can a firm expand so quickly, and how is an operational and strategic management forged that fast? Kai-Uwe Bergmann: The best way to answer that question is to tell something about the bureau s genesis. These days BIG has a staff of around 200 spread across three offices in Copenhagen, New York and Beijing. BIG arose from PLOT Architects, the firm that Bjarke founded together with Julien de Smedt back when Bjarke was 27 years old. They knew each other from working together at OMA, the bureau co-run by Rem Koolhaas. At the beginning Bjarke and Julien worked as a duo at home, but after they won three key competitions in rapid succession the office quickly grew into a staff of ten. In other words, a pretty large bureau for two young architects who had just begun to be self-employed. Over the next five years there were always employees working at PLOT. The first significant structures were realised at that time, for instance the Harbour Bath in Copenhagen and the award-winning residential VM Houses. Despite the major success they were having jointly, after the first five years different plans for the future led Bjarke and Julien to decide to create two new bureaus: Bjarke founded BIG, Julien JDS. In a nutshell: BIG didn t just pop up out of thin air. There was already a successful company before that, and that partly explains the rapid growth. What happened to the staff at the previous firms? Of the 40 people on staff, 30 went with Bjarke and 10 with Julien. Most of those 30 employees are still a part of our bureau to this day. BIG is split up into three locations situated on three different continents. How do you keep an eye on the mutual vision and co-ordinate strategic further development at those kind of distances? Our mindset has always been very global. These three offices give us the opportunity to be active in the most different parts of the world. We still have most of our projects in Europe and North America. They are handled by the offices in New York and Copenhagen. Until now we have established the office in Beijing solely on a project-related basis. Thanks to technology, nowadays we have the possibility to take part in meetings and decision-making worldwide. Ways and means to be present and adapt to the various markets can be found at all enterprises that work on a global scale. We currently have projects in 17 different countries at different phases of development. Local consultants support us in the case of know-how such as standards and legislation specific to a given country. For our bureau, the decision to go global was pathbreaking. Before the financial crisis in 2008 we had 95 % of the projects within a 100 km radius of Copenhagen. We had roughly 80 employees on staff at the time. 50 % of those projects were frozen or cancelled during the crisis. So now we were forced to face the question: Should we fire 60 employees or start developing other countries on the quest for new projects? In the period from , in other words during the whole crisis, the outcome was that we didn t end up downsizing staff, we grew! We acquired projects in Taiwan, China, in the Near East, and in North America. In short, the crisis made us even more global we looked for work all over the world, and we got it! You turned the crisis into an opportunity. Yes, that was a wonderful point, because we decided to do something differently and venture the new rather than throw in the towel and let staff go. One example of multiply utilised energy is the Waste-to-Energy Plant where a ski slope heads down the roof. The chimney puffs out smoke rings. Laser projections in the sky are supposed to be seen in the smoke. Can you truly make all that a reality? Building completion is set for 2017, the ski slope is momentarily in the city s ballot approval phase. We ve carried out initial tests for the smoke rings which can be seen in the video (*see AR+ on the photo adjoining the article). We can simulate a smoke ring on a scale of 1:10, and now we re building an experimental mock-up on a scale of 1:2. As for the laser projections, we don t have any definitive status yet. Ski slope, smoke rings, projections. All of those things are fun-loving and enjoyable, but how are you able to persuade the builders in light of the extra costs that don t serve the building s intrinsic purpose? You might just as well ask: Why do people pay more for an Audi than a Ford Escort? The ski slope serves the general public. The city of Copenhagen is going to pay for half of the ski slope, the other half will be financed by private funding. By foundations, for example. The smoke rings aren t anything crazy or purely decorative, either. They re used to quantify the steam and/or CO2 emissions. In that sense the smoke rings have an informative character that heightens the population s awareness and hopefully contributes towards reducing energy consumption. As with many of the drafts from BIG, the project ran the route of various blogs and the architectural print media. It was received enthusiastically. The spectacular visualisations certainly contributed to that. How does BIG make use of 3D technology during the drafting and implementation processes? I m convinced that you have to use everything that s there! When Michelangelo opted to build his staircase in Florence, he constructed a wooden model to convince the Medicis of his design. These days we have lots of options. The best thing is to make use of all those available to us: physical models, virtual models. It s important to learn by getting the knack of all the programs. At our bureau, know-how flows and converges from the most different parts of the world. Many of the 200 architects bring along new programs and we try out all of them. At the moment we re working with around 30 programs! We try to do internal simulations now, too. Daylight and wind simulations, for instance. In other words, engineering factors, because that way we can simply get to our goal faster and more efficiently, and can speed up our prototype development. We call this project BIG Ideals and started it a year ago. Our partner Jakob Lange is in charge of it. Lots of new innovations emerge from the 3D printing process. The widest variety of methods for parametric thinking and drafting originate from this, too, so that design and production coalesce more closely. Depictions using virtual reality and augmented reality are also becoming more and more important in architecture because the technology and equipment to create them is getting less and less expensive and lighter, too. Do new draft design processes and a new form language equally come about as a result of these new tools? Yes, I believe that being able to generate prototypes quickly due to this possibility using 3D printers enables lots of ideas to be made physically visible in an economical way. Bjarke Ingels is going to turn 40 soon. He s preparing a book and an exhibition. Can you let us in on anything yet? The exhibition is going to open on the 24th of January at the National Building Museum in Washington, D.C. It will be able to be viewed in the museum s atrium, where The Maze, an installation by BIG, is currently being shown. The exhibition is going to be entitled Hot to Cold. We ll be exhibiting 60 projects, most of which have already been realised or are in the course of construction. We use the annual average temperature to arrange the projects from the hottest country to the coldest. This means that our icons are not arrayed by programme but according to climatic conditions. As was the case with the last exhibition, Yes is More, the book will be the exhibition catalogue, too. Most of your buildings have an iconographic character. What are the ingredients for designing an icon? We don t design our buildings with a viewpoint towards achieving an iconic effect. The iconic effect arises in the minds of the people viewing the building. An icon is a building that we keep on remembering because it possesses qualities you don t forget. They can be the shape or how the building functions, or that parts of the building move. Why a certain building lingers in our memories depends on a lot of factors. For example, the Sydney Opera House is an icon for a country because a building like that had never been viewed that way before, and besides that it has such a pithy function as an opera house. The title of BIG s famous Yes is More exhibition and the accompanying book in the form of a comic refer to Mies van der Rohe s Less is more, a credo that many architects have taken to heart, both then and now. Does BIG have a credo, and if so, what is it? Yes is more is certainly much more than the title for an exhibition: that s our credo. Yes is more refers to several statements, to both Less is more and to Robert Venturi s Less is a bore. As a representative of the Postmodern, he found classic Modernism to be so lacking in decoration that it became boring. What was equally meant there is that building opportunistically is not a mistake, that you certainly can attend to the builder s wishes: If the builder wants a modernistic edifice, the architect adapts to match. If they want a decorative structure, the same applies. Our credo, Yes is more, originated when Obama brought positivity back into politics with his slogan, Yes we can. We re looking for a very positive gateway to our specialised field. Architecture is surrounded by negativity. We try to get around this negativity as much as possible by looking for the positive way. For example, in the case of two opposing parties we look for a compromise that suits both of them. Seen in that sense, that s what we architects do every day. There are so many laws that are sometimes helpful and sometimes obstructive. There are always protagonists and antagonists on a project, political advocates and adversaries, too. In other words, there are enough factors that can delay a building s construction, sometimes even for a decade. So you have to stay optimistic and positive. One question to conclude the interview: If someone could have given you some advice 10 years ago, what would it have been? That s a good question! Now what would that have been? I d say, buy shares in Apple! Yes, sometimes good advice has its price! Thank you very much for the interview, Mr Bergmann! und Teil des Experiments von BIG werden. and become part of the BIG experiment.

4 6 New Collection TEXtiles New Collection TEXtiles 7 Diamanten der Diamonds of floor architecture und die neue Kollektion TEXtiles entdecken. and discover the new TEXtiles collection. Bodenarchitektur Die neue TEXtiles-Kollektion The new TEXtiles collection Bereits 2008 brachte Vorwerk mit TEXtiles SL eine bahnbrechende Neuerung auf den Markt: Zum ersten Mal konnte bei der Rückenbeschichtung von Teppichfliesen auf die schädlichen Stoffe Bitumen und PVC verzichtet werden. Diese neue Technologie bescherte dem Produkt die Zertifizierung mit dem Green Label Plus. Mit der technischen wurde auch eine formale Innovation vorgestellt: Das Standardraster wurde aufgebrochen und die neue Kollektion von Hadi Teherani stellte erstmalig eine Freiformfliese vor. Dies eröffnete völlig neue Möglichkeiten und Freiheit im Entwurf der Bodengestaltung, wie die Referenzen der Rabobank und Europäischen Zentralbank in dieser Ausgabe unseres Magazins zeigen. Im gestalterischen Portfolio von Vorwerk flooring befinden sich bereits zahlreiche namhafte zeitgenössische Designer und Künstler. studio aisslinger, das von Werner Aisslinger geleitete Berliner Designstudio, hat nun dem Begriff Bodenarchitektur eine neue Bedeutung gegeben: Seine jüngsten Entwürfe erweitern die Formensprache von TEXtiles mit ganz neuen Geometrien und Kombinationsmöglichkeiten. Trapez und Darts+Diamonds erzeugen durch Farbe und Geometrie einen dreidimensionalen Effekt und verblüffen durch ihre perspektivische Wirkung, deren Trompe-l œil raffiniert durch Texturwechsel in der Oberfläche wieder aufgebrochen wird. Tripod+Prisma erinnern an Ketten molekularer Strukturen; Crystal L+S, Stripe sowie Partition spielen mit den Ausformungen des Trapezes. Die erfolgreichen Freiformen Crystal und Partition wurden aus der SCALE -Kollektion von Hadi Teherani übernommen und sind durch weitere Textur- und Farbvarianten noch vielfältiger kombinierbar. Bei den rechtwinkligen Standardformaten 25 x 100, 50 x 50, 50 x 100 und 100 x100 cm lassen sich durch die Kombination von Struktur und Farbe völlig neue Parkettierungen entwickeln und spannende Raumkonzepte verwirklichen. Products pictured: TEXtiles DARTS+DIAMOND Visualisations: Virtual Design Unit The year was 2008 when Vorwerk brought a pathbreaking innovation called TEXtiles SL onto the market. It was the first time that the use of harmful bitumen and PVCs could be refrained from when coating carpet tiles with a backing. This new technology resulted in the product being awarded Green Label Plus certification. Alongside the technical aspect, an innovation in shape was presented, too: The standard grid format was broken up, the new collection by Hadi Teherani launched a freely shaped tile for the first time. That, in turn, opened up completely new possibilities for freedom in designing flooring, as shown by the reference projects at Rabobank and the European Central Bank in this issue. Numerous renowned contemporary designers and artists are already a fixture within the portfolio at Vorwerk flooring. studio aisslinger, a design studio in Berlin headed by Werner Aisslinger, has now given a new meaning to the term floor architecture: His most recent designs expand the form language displayed by TEXtiles using brand-new geometries and combination options. Trapez and Darts+Diamonds employ colour and geometry to generate a three-dimensional effect. The impact on perspective is astonishing, the trompe-l oeil sophisticatedly reapportioned due to the surface s alternating texture. Tripod+Prisma are reminiscent of the chains in molecular structures; Crystal L+S, Stripe and Partition play with various shapings of a trapezoid. The successful freestyle shapes entitled Crystal and Partition were taken over from the SCALE collection by Hadi Teherani and can be combined even more diversely as a result of further variations in texture and colours. As for the rectangular standard formats in 25x100, 50x50, 50x100 and 100x100 cm, the combination of structure and colour enables completely new tiling designs to evolve while making intriguing spatial concepts a reality. Products pictured TEXtiles TRAPEZ

5 8 New Collection Projection New Collection Projection 9 Projection, Die neue Projection FORMAT 3K92 revisited NANDOU DESIGN 2D57 CONTURA 5S00 ELARA 4E65 TECNO 5S45 und die neue Kollektion Projection entdecken. and discover the new Projection collection. Die nächste Generation der Objektkollektion Projection von Vorwerk flooring kündigt sich an. Durch die Kombination bewährter und neuer Formen, Farben und Materialien bieten die Produktlinien der Kollektion grenzenlose Gestaltungsmöglichkeiten. Projection setzt sich aus drei Komponenten zusammen, die auf der BAU in München und der DOMOTEX in Hannover im Januar 2015 erstmals vorgestellt werden: Projection, TEXtiles und Elementary Shapes. Die Stammkollektion Projection vereint bewährte Qualitäten für den Objektbereich; neu entwickelt wurde ein trendorientiertes Farbkonzept. Zudem wurde die Produktreihe um neu geschaffene Qualitäten ergänzt. Die Linie TEXtiles umfasst die Teppichfliesen- Klassiker unter den Vorwerk-Produkten mit den beliebten Freiformen wie Crystal und Partition, die durch weitere Textur- und Farbvarianten sowie eine neue Freiform-Kollektion von Werner Aisslinger noch vielfältiger kombinierbar wurde. Ebenfalls aus der Feder von studio aisslinger stammen die Elementary Shapes. Sie knüpfen an das Thema Freiformen an und reichern die Bodenarchitektur in Geometrie, Farbe und Material um neue Facetten an. Die Produkte von Vorwerk flooring zeichnen sich durch hohen Gestaltungsanspruch sowie das Nachhaltigkeits- und Qualitätsbewusstsein der Marke aus. Sämtliche Bodenbeläge sind schadstofffrei und feinstoffgeprüft bestätigt durch das Siegel Life Balance und eignen sich somit auch für Allergiker. The next generation of the Projection collection for business sites from Vorwerk flooring announces its arrival: The collection s product lines offer boundless design options due to the combination of shapes, colours and materials, both proven and new. Projection consists of three components that shall be presented for the first time in January 2015 at the BAU trade fair in Munich and the DOMOTEX fair in Hanover, Germany: Projection, TEXtiles and Elementary Shapes. As the core collection, Projection unites tried-and-true products for the business-site sector, albeit a trend-oriented colour concept has been newly conceived and the product series enhanced by adding newly developed articles. The TEXtiles product line encompasses the carpet-tile classics among the products from Vorwerk, including popular freestyle shapes such as Crystal and Partition. As a result of additional variations in textures and colours along with a free-form collection by Werner Aisslinger, the line can now be combined with even greater diversity. Elementary Shapes equally originated from his firm, studio aisslinger. They tie in with the theme of freely formable shapes while providing new facets in geometry, colours and materials for floor architecture. Products from Vorwerk flooring set themselves apart due to high design standards and a brand awareness of both quality and sustainability. All floor coverings have been tested for the presence of harmful substances and their ability to bind fine dust particles as attested to by the Life Balance seal of approval and are consequently suitable for people with allergies, too. Photos far left and right: Nomad, Senfft Studios Photos middle: Nomad, Ivo v. Renner

6 Elements by Werner Aisslinger

7 12 New Collection Elementary Shapes New Collection Elementary Shapes 13 Textile Textile geometry Colour variations LEAF Geometrie Elementary Shapes Kollektion von Werner Aisslinger Werner Aisslinger Die Freiform-Teppichfliese ist eine Erfindung von Vorwerk flooring, an die nun eine weitere Innovation anknüpft: Elementary Shapes von Werner Aisslinger ist der Name einer völlig neuen, modular aufgebauten textilen Bodenbelagskollektion. Die Elementary Shapes bestehen aus zwei verschiedenen Produktlinien: den Elements und den Solitärteppichen Mito und Leaf. Elementary Shapes, also geometrische Grundformen wie Kreis, Quadrat, Dreieck und Rechteck, bestimmen die Formensprache der Kollektion und nehmen den derzeitigen Trend der Design-Avantgarde auf, die auf Meister der Postmoderne wie Ettore Sottsass und Alessandro Mendini zurückgreift. Die sechs Formen der Elements sind frei miteinander kombinierbar und können unendlich aneinandergereiht werden. Aus dem Set an verschiedenen geometrischen Formen lässt sich der Teppich formal wie auch farblich individuell zusammenstellen und an die räumliche Situation anpassen. Die Flächen der collagierten Elemente werden durch schmale, farblich kontrastierende Wollfilzstreifen getrennt. Sie bilden im Zusammenspiel die für Werner Aisslinger typischen Farbkombinationen, etwa Beerentöne mit Signalrot, Kiwigrün mit leuchtend blauen Streifen oder Beige mit verschiedenen Grünschattierungen. Elements verbindet die formale Freiheit der Teppichfliesen mit der Anmutung eines abgepassten Teppichs und bietet Gestaltungsfreiheit bei höchster Flexibilität. Eine rutschhemmende Rückenausrüstung verhindert, dass die Bodenbelagsfläche sich verschiebt. Auch die abgepassten Solitärteppiche Mito und Leaf besitzen als gestalterisches Element einen schmalen Streifen in abgestimmten intensiven Wollfilzfarben. Sie lassen sich nicht nahtlos aneinandersetzen, bilden aber durch Ihre formale Verwandtschaft kombiniert in einem Raum ein stimmiges Ensemble. Die organischen Freiformen fügen sich unabhängig von der Geometrie des Raumes optimal in die verschiedensten Grundrisse ein; Ecken können umgangen oder eingebunden werden. Die Kollektion Elementary Shapes ist absolut objekttauglich und eignet sich hervorragend zur Akzentuierung eines Loungebereichs oder zur Zonierung einer Fläche in einem offenen Grundriss, etwa in einem Großraumbüro. Besonders die Elements können als wertvolles Gestaltungselement von Fluren oder zur Signalisierung von Nutzungsbereiche dienen: Sie sind mit einer Breite von einem Meter und einer beliebigen Länge eine Neuinterpretation des klassischen Läufers. Hallway situation using Elements; the products ELARA, FRISEA, FORMA Free-form rug Leaf; product ELARA LEAF S 196 x 196 cm LEAF L 259 x 259 cm Elementary Shapes collection by Werner Aisslinger The free-form carpet tile is an invention from Vorwerk flooring which another innovation is now tying on to: Elementary Shapes by Werner Aisslinger is the name of a completely new collection of textile flooring set up on a modular scale. Elementary Shapes is comprised of two different product lines: Elements and the solitaire rugs Mito and Leaf. As the name implies, the shapes involve basic geometric forms: the circle, square, triangle and rectangle. They define the form language within the collection and pick up on the current trend in today s design avant-garde, which draws upon such masters of the Postmodern as Ettore Sottsass and Alessandro Mendini. The six shapes in Elements can be combined freely with one another and aligned in infinite variations. A set of different geometric elements allows the carpet s shape and colour to be composed individually while adapting it to the spatial situation at hand. The surface areas of the collaged elements are separated by narrow, colour-contrasting strips of woollen felt. Their interaction constitutes colour combinations typical of Werner Aisslinger s work: for instance berry hues with signal red, kiwi green with luminous blue stripes, or beige with various shades of green. Elements combines the shaping freedom lent by the carpet tiles with the look of an area rug. The result: freedom to design offering the greatest flexibility. A slip-resistant backing prevents the flooring area from shifting its position. As design components, the solitaire area rugs entitled Mito and Leaf are equally fitted with a narrow strip of woollen felt in intense, co-ordinated colours. They can be adjoined seamlessly, yet when combined still form an inherently coherent ensemble due to their kindred shaping. These organic, freestyle forms fit optimally into the widest variety of floor plans, independent of a space s given geometry. Corners can be worked around or integrated. The Elementary Shapes collection is absolutely worthy for placement at business sites and excellently suited to accent a lounge zone or designate a specific area in a floor plan, for example an open-plan office. In particular, Elements can serve as a valuable design component for hallways or to signalise entranceaccess areas. At a width of one metre and any length desired, they are a new interpretation of the classic carpet runner. Residential area using Elements; the products ELARA, FRISEA, FORMA H 98 x 98 cm B 98 x 65 cm D 98 x 98 cm T 98 x 65 cm L 98 x 73 cm S 98 x 49 cm The six shapes in the Elements collection Photos: Nomad, Magnus Pettersson Visualisations: Virtual Design Unit MITO S 186 x 200 cm MITO L 337 x 362 cm Free-form rug MITO; product ELARA Colour variations MITO und die neue Kollektion von Werner Aisslinger für Vorwerk flooring entdecken. and discover the new collection by Werner Aisslinger for Vorwerk flooring.

8 14 Interview Tom Dixon Interview Tom Dixon 15 The modern alchemist Ein Gespräch mit Tom Dixon Dialog: Tom Dixon, am Anfang Ihrer Karriere machten Sie sich mit Low-Tech-Design einen Namen: Unbearbeitete Materialien und handwerkliche Verarbeitung gaben Ihren Entwürfen einen Stil, der sich stark vom hochpolierten High-Tech-Design der 80er und 90er abhob. War das Zufall oder nahmen Sie bewusst eine Gegenposition ein? 1. Tom Dixon: Ich würde nicht sagen, dass ich bewusst Low-Tech- Design entwarf oder revoltierte; meine Arbeit war postindustriell veranlagt. Zu der Zeit war in England der Geschmack in erster Linie von zwei Stilen geprägt: der italienisch beeinflussten Postmoderne mit den leuchtenden Farben und Imitatoberflächen und dem Neoklassizismus, dem viktorianischen Stil. Es war relativ einfach, etwas gegen den Mainstream zu machen, da er sich leicht identifizieren ließ. Heute wird jeder Trend sofort über das Internet transportiert und kommerzialisiert; es ist also viel schwieriger für Designer und Künstler, etwas anders zu machen. Das ist auch ein großes Problem für Jugendliche heute: Es gibt gar kein Establishment, gegen das sie sein können. Aber damals war das leicht. Also war das rostige Metall meiner Objekte das Gegenteil zum künstlichen, rosafarbenen Resopal. Rückblickend war es eine Gegenposition, die ich eingenommen habe, aber andererseits war es reiner Pragmatismus: Schweißen war das Einzige, was ich damals beherrschte und eine Methode, relativ schnell Dinge in schnörkellosem, industriellem Stil herzustellen. Ich habe alles in einer Autowerkstatt gelernt, die Oldtimer restaurierte. Ein Freund zeigte mir, wie man schweißt; in einer Stunde konnte ich es. Ich wurde nie ein meisterlicher Handwerker, es war alles immer ziemlich improvisiert und roh. Sie haben früher in einer Band gespielt und man kann nachlesen, dass Sie im Titanic, einem Club in London, in Live-Performances Ihre ersten geschweißten Objekte hergestellt haben. Was war zuerst da, die Bühne oder das Design? Ich spielte in einer Band, doch dann brach ich mir den Arm. Also wurde der Nachtclub meine neue Einkommensquelle. In einem Nachtclub passiert natürlich alles nachts, vor allem am Freitag und am Samstag. Mein Geld verdiente ich deshalb am Wochenende, indem ich auf der Bühne die Objekte schweißte. Also hatte ich tagsüber viel Zeit für mein Hobby, das Schweißen. Das Feuer, das Metall, wurde zu meiner Leidenschaft. Viele Gäste des Nachtclubs waren Leute, die Geschäfte in der Umgebung hatten, zum Beispiel ein Friseur oder Modedesigner, der einen neuen Stuhl für seinen Laden brauchte, oder ein Fotograf für ein Set. Der Nachtclub war also ein Absatzkanal für mich, das war der großartige Nebeneffekt der Performances. Alle waren von der Gefahr, die vom Feuer und den sprühenden Funken ausging, faszi- niert. Doch dann fing der Teppich im Club Feuer und das war das Ende meiner Shows. Ich hörte aber nicht auf, meine Objekte zu produzieren und hatte einen großen Output. Ich wollte damit Geld verdienen, sah mich als Alchemist: Am einen Tag schweißte ich rostiges Metall zusammen, am anderen verwandelte ich es in Gold. Es gibt mittlerweile so viele Designmessen; etliche davon bieten auch Nachwuchs-Designern eine Plattform. Viele Jungdesigner hoffen, durch ihre Präsenz von einem großen Hersteller entdeckt zu werden. Was empfehlen Sie jungen Designern? Für Jungdesigner ist es heute wirklich sehr schwierig. So viele junge Menschen wollen diesen Beruf ergreifen. Warum wollen denn alle Designer werden? Ich denke, es ist einfach ein großartiger Beruf! Zu meiner Zeit gab es nicht so viele Konkurrenten, aber es war auch viel schwieriger, sich zu präsentieren. Um damals auf sich und sein Werk aufmerksam zu machen, genügte es, hundert Briefmarken zu kaufen und dann Einladungen zu verschicken. Heute kann man aus dem eigenen Schlafzimmer mit einer die ganze Welt erreichen. Es kann jedoch auch von Vorteil sein, wenn mich nicht gleich jeder kennt und ich erst einmal in Ruhe meinen Stil entwickeln kann, bevor aller Augen auf mir ruhen. Es geht gar nicht so darum, wahrgenommen zu werden. Bevor man sich versieht, steht nämlich alles als Rendering z.b. auf Dezeen oder Architonic und 2. die Ideen, die gerade noch dir gehörten, gehören auf einmal allen. Die Herausforderung liegt darin, den richtigen Moment abzupassen, an dem man einen Stil und eine Ästhetik entwickelt hat. Ich wurde von Carla Sozzani, der Gründerin des Concept Store Corso Como in Mailand, entdeckt, als ich mit Marc Newson ausstellte. Sie ging zu Cappellini. Mit Cappellini entwickelte sich eine tolle Beziehung; er machte mich international bekannt. Die Kehrseite war, dass er meine besten Stücke bekam und ich kaum etwas daran verdiente. Meine besten Entwürfe gehörten nun jemand anderem. Aus finanzieller Sicht hatte das also alles überhaupt keinen Sinn. Die Positionierung bei der renommierten Marke war damals jedoch großartig für mich. Ist das der Grund dafür, dass Sie Ihre eigene Marke geschaffen haben? Um nicht mehr von anderen Herstellern abhängig zu sein und auch den finanziellen Verdienst besser abschöpfen zu können? Es geht mir nicht um den Profit. Ich hatte einfach schon so viele Sachen ausprobiert: Ich habe Sachen mit meinen eigenen Händen gemacht, ich hatte meinen eigenen Laden, ich habe für eine große Firma gearbeitet, ich hatte meine eigene Fabrik mit 15 Leuten. Mein Fazit all dieser Abenteuer ist, dass ich mehr Kontrolle haben will. Das erreiche ich, indem ich meine Firma wie ein Modelabel strukturiere. Ich habe meinen eigenen Namen, meine eigene Marke. Wir haben unseren eigenen Vertrieb und wir kümmern uns um die Kommunikation. Und wir haben natürlich unser eigenes Design. Die Produktion lagern wir aus, wie es auch die meisten Modedesigner machen. Ich kann nun auch schneller wachsen, da ich Investoren in die Firma geholt habe. Hat sich Ihre Firma verändert, seit Sie Investoren an Bord haben? Ich muss meine Entwürfe nicht mit ihnen abstimmen, aber man muss natürlich die Umsatzziele erreichen und jedes Jahr wachsen. Wir sind ganz anders strukturiert als alle anderen Designstudios, die ich kenne: Wir arbeiten nur für uns selbst, während alle anderen Designer auch für andere Marken und Hersteller arbeiten. Das ist nicht gerade einfach, denn es bedeutet auch, dass wir komplexe Prozesse unter einen Hut bringen müssen: die Produktionsleitung, Lagerhaltung und Logistik, Kommunikation und Pressearbeit und natürlich Marketing und Verkauf. Sind Sie in all diese Prozesse involviert oder haben Sie ein Management aufgebaut, das sich um alles kümmert und Ihnen den Rücken frei hält? Ich bin eigentlich in alles einbezogen, außer vielleicht Logistik, denn die Prozesse interessieren mich sehr! Als Designer sollte man Produktionsprozesse verstehen und ein Gefühl dafür entwickeln, wie viel ein Produkt kosten darf, damit die Leute es kaufen. An welchem Punkt des Entwurfsprozesses fangen Sie an, über die Produktion nachzudenken? Bereits dann, wenn Sie das erste Mal den Stift in die Hand nehmen? Ich glaube, sogar schon lange vorher! Wählen Sie die Produktionsstätte aus, bevor Sie anfangen zu entwerfen? Ich bin von Fabriken und Handwerksbetrieben und Herstellungsprozessen regelrecht besessen; die Ideen kommen also oft von dort her. Ich verbringe viel Zeit in Indien, China und in Deutschland an Orten, an denen Sachen hergestellt werden. Wie finden Sie diese Betriebe und Hersteller, welche die Möglichkeiten haben, Ihre Ideen umzusetzen? Jedes Projekt hat eine andere Ausgangssituation. Manchmal beginnt es zum Beispiel bei einem bestimmten Material. Wenn ich etwa dieses Jahr an Marmor denke, dann habe ich zum Beispiel einen Kontakt in China, der mir eine Liste mit allen potentiellen Herstellern erstellt. Auch meine Berufserfahrung hilft; manche Kontakte habe ich auch noch aus den Zeiten von Habitat. Oder ich nutze, wie alle anderen auch, das Internet, um etwas in Erfahrung zu bringen. Stichwort Marmor: Das Material erlebt im Design gerade eine unglaubliche Renaissance. Sie waren einer der Ersten, die traditionelle Materialien wie Kupfer, Messing und le im modernen Design thematisierte. Das wurde sofort von allen aufgenommen und wir sehen es jetzt überall. Gibt es ein neues Bedürfnis nach traditionellen Materialien, die eine gewisse Wertigkeit vermitteln? Ich bin von Dingen schnell gelangweilt; manchmal muss man nur eine Lücke füllen, die es schon gibt. Das Timing muss stimmen. Manchmal entdeckt man Dinge, bevor die Zeit dafür reif ist und manchmal zu spät, das ist fatal. Ich hatte einfach auch ein paar Mal Glück. Dass ich Kreativdirektor bei Artek und Habitat war, hat mir sicherlich die Fähigkeit gegeben, mich herauszunehmen und die Dinge aus einer Distanz zu betrachten. So wird man weniger vom derzeitigen Trend oder der Mode beeinflusst. Dann kann man sich überlegen, was wohl in zwei oder drei Jahren relevant sein wird. Sie haben für den Member's Club Soho House das Shoreditch House in London entworfen, das von der Kreativszene begeistert aufgenommen wurde. Es ist die gebaute Abkehr von dem, was man bisher unter modernem Design verstand. Keine Spur mehr vom coolen Minimalismus, stattdessen üppige Sofas, Vorhänge, Vintage allerorten. Woher kommt dieser Trend und wie lange wird er Bestand haben? Sicher kommt das zum Teil aus den USA. Das Ace Hotel oder das Re- 3. staurant Balthazar in New York erzeugen ein Film-Set-Gefühl aus den 50ern. Großbritannien ist viel weniger durch modernes Design beeinflusst als andere europäische Länder und auch in gestalterischer Hinsicht immer viel traditioneller. Die Idee der Zusammenführung von Arbeit und Unterhaltung ist maßgebend für den Erfolg des Soho House, nicht nur die Gestaltung. Den Retro-Trend finde ich teilweise irritierend, beziehungsweise ist es eine Frage der Balance. Das Traditionelle als durchgestylter Look wird zur Nachahmung, das ist nicht modern. Aber die Mischung von Alt und Neu ist zeitgenössisch und zeigt, dass in der modernen Welt viele Dinge erlaubt sind und koexistieren dürfen. Derzeit sehe ich eher die Gefahr, dass die Leute aufgrund ihrer Zukunftsangst zurückschauen und sich in einem nostalgischen Umfeld wohler fühlen. Ich persönlich sehe die Zukunft darin, das Beste aus dem Damals und Heute gelungen zu verbinden. Obwohl Vorhänge, kapitonierte Polstermöbel und andere dekorative Elemente ihren Weg zurück in die Innenarchitektur gefunden haben, hatten Teppiche und vor allem Teppichböden dieses große Revival noch nicht. Würden Sie Teppichboden in Ihren Interiors verwenden? Der Teppich ist schon lange wieder da, zumindest in England. Die Mode des Minimalismus und des sterilen Designs ist vorbei! Alle Arten von Textilien und weichen Materialien werden jetzt wieder verwendet, zum Beispiel in Restaurants und Theatern. Dort muss man schon alleine aus akustischen Gesichtspunkten weiche Materialien benutzen. Ich finde Teppiche hochinteressant und würde gerne in einen gestalterischen Dialog treten. Ich glaube, dass den Teppichboden ein großes Comeback erwartet. Und ich glaube an Deckenteppiche. Vielen Dank für das Gespräch, Tom Dixon! A talk with Tom Dixon Dialog: Tom Dixon, at the beginning of your career you made a name for yourself with low-tech design : crude materials and hands-on craftsmanship gave your design drafts a style that set itself strongly apart from the glossy high-tech design in the 80s and 90s. Was that by chance or did you deliberately take on an antithetical position? Tom Dixon: I wouldn t say that I deliberately drafted low-tech design or revolted. My work was post-industrially inclined. At the time, tastes in England were primarily marked by two styles: the Postmodern of an Italian bent with radiant colours and imitation surfaces, and Neoclassicism, the Victorian style. It was relatively simple to do something that went against the mainstream because it could be easily identified. These days every trend is transported and commercialised via the internet right away, which means it s a lot harder for designers and artists to do something different. It s a big problem for young people today, too: There isn t any establishment they can be against. But back then it was easy. So the rusty metal in my objects was the converse of synthetic, pink-coloured 4. formica. Looking back, I did take on an antithetical position, but on the other hand it was pure pragmatism: Welding was the only thing I did well at the time and it was a method to produce things relatively quickly in an industrial style without frills. I learned everything at a garage that restored old-timers. A friend showed me how to weld. In an hour I could do it myself. I never became a master craftsman. It was always fairly improvised and rough around the edges. You used to play in a band and people can read up on how you made your first welded objects in live performances at the Titanic, a club in London. What came first: the stage or the design? I did play in a band, but then I broke my arm. So the nightclub became my new source of income. In a nightclub everything happens at night, of course, above all on Fridays and Saturdays. That s why I earned my money on the weekend by welding objects on stage. So during the day I had plenty of time for my hobby, welding. The glow of welding, the metal, that became my passion. Lots of patrons at the nightclub were people who had businesses in the neighbourhood, for instance a hairdresser or fashion designer who needed a new chair for their shop, or a photographer for a set. In other words, for me the nightclub was like a sales channel. That was a fabulous side effect of the performances. Everyone was fascinated by the danger that arose from the hot glow and flying sparks. But then the carpet at the club caught fire, and that was the end of my shows. Although I didn t stop producing my objects, and I had a large output. I wanted to make money doing it. I saw myself like an alchemist: one day I d weld rusty metal together, on another I transmuted it into gold. Meanwhile there are so many design fairs, and many of them provide a platform for up-and-coming designers, too. Lots of young designers hope that being present will get them discovered by a major manufacturer. What would you recommend to young designers? It s really very hard for young designers today. So many young people want to take up the profession. Why does everyone want to be a designer? I think it s simply a fantastic profession! In my day there wasn t so much competition, but it was also a lot harder to be able to present yourself. Back then, to draw attention to yourself and the work you were doing it was enough to buy a hundred stamps and then send out invitations. Nowadays you can reach the whole world from your own bedroom with one . Then again, it can equally be an advantage when everyone doesn t know me straight off and I can evolve my style in peace and quiet before everyone s eyes are on me. It s not so much about being perceived. Not at all. Before you know it, everything s a rendering on Dezeen or Architonic, for example, and the ideas that belonged to you a second ago all at once belong to everybody. The challenge lies in waiting for the right moment until you ve developed a style and a sense of aesthetics. I was discovered by Carla Sozzani, the founder of the concept store Corso Como in Milan, when I exhibited together with Marc Newson. She went to Cappellini. A brilliant relationship evolved with Cappellini. He made me known on an international scale. The downside was that he got my best pieces and I hardly earned anything on them. My best designs now belonged to some- one else. So from a financial viewpoint it didn t make a bit of sense. But even so, at the time the positioning with this renowned brand was great for me. Is that the reason why you created your own brand? So that you wouldn t be dependent on other manufacturers any more, and also be better able to reap the financial rewards? To me, it s not about profit. I d simply tried out so many things already: I made things with my own two hands, I had my own shop, I worked for a large company, I had my own factory with 15 people. The 5. conclusion I drew from all that adventure is that I want to have more control. I achieve that by structuring my firm like a fashion label. I have my own name, my own brand. We have our own sales & distribution, and we take care of the communication. And naturally we have our own design. We outsource production the same way most fashion designers do it. Now I can grow faster too because I brought investors into the company. Has your company changed now that you have investors on board? I don t have to agree my draft designs with them, but of course the revenue targets have to be met and grow each year. We re structured completely differently from all the other design studios I know: We only work for ourselves, whereas all the other designers work for other brands and manufacturers as well. It s not easy, either, because it also means that we have to accommodate a number of complex processes: production management, stockkeeping and logistics, communication and public relations, and naturally marketing and sales. Are you involved in all these processes, or have you built up a management echelon that attends to everything and takes the load off you? I m basically involved in everything, except logistics perhaps, because I find the processes quite interesting! As a designer you ought to grasp the production processes and develop a feel for them: how much a product might cost so that people buy it. At which point of the draft design process do you start giving some thought to production? As soon as you pick up a pencil for the first time? I d say even long before that! Do you choose the production site before you start designing? I m obsessed with factories and craftsmen s firms and manufacturing processes, so the ideas often come from them. I spend a great deal of time in India, China and Germany at places where things are manufactured. How do you find these kinds of firms and manufacturers that have the possibilities to enact your ideas? Each project has a different situation to start with. Sometimes it begins with a certain material. For instance, if my thoughts turn to marble this year, then I ve got a contact in China, for example, who draws up a list for me including all the potential producers. 6. My job experience helps, too. I still have some contacts from the days with Habitat. Or I use the internet to find out something, just like anybody else. Taking marble as a cue, the material is currently experiencing an incredible renaissance in design. You were one of the first to address traditional materials such as copper, brass and enamel in modern design. Everyone immediately latched on to that, and now we see them everywhere. Is there a new yen for traditional materials that imply a certain value? Things bore me quickly. Sometimes all you have to do is fill a gap that already exists. The timing has to be right. Sometimes you discover things before the time is ripe for them, sometimes too late: that s fatal. A few times I was simply lucky. The fact that I was creative director at Artek and Habitat certainly gave me the ability to detach and look at things from a distance. That way you re influenced less by a current fad or fashion and able to think about things: What s likely to be relevant in two or three years? You designed Shoreditch House in London for Soho House, the private members club, which was received enthusiastically by the creative scene. It is the erected departure from what had been previously understood as modern design. Not a trace of cool minimalism any more; luxurious sofas, curtains and vintage all over the place in its stead. Where did this trend come from and how long will it last? Certainly from the USA to a certain extent. The Ace Hotel or Balthazar restaurant in New York creates the feeling of a film set from the 50s. Great Britain is influenced by modern design a great deal less than other European countries, and is always a lot more traditional when it comes to design. The idea of merging work and play is decisive for Soho House s success, not just the design. I find some elements of the retro trend annoying, or rather it s a question of balance. As a thoroughly styled look the traditional becomes a lookalike: that s not modern. But the mixture of old and new is up-to-date and shows that lots of things are permitted and allowed to co-exist in the modern world. At the moment I tend more to see the risk that people are looking back due to their anxiety about the future and feel better in a und mehr über Tom Dixon erfahren. and learn more about Tom Dixon. nostalgic environment. Personally, I view the future as successfully combining the best from back then and today. Although curtains, button-tufted quilted upholstery and other decorative elements have found their way back into interior decorating, rugs and above all wall-to-wall carpets haven t had that kind of major revival yet. Would you use carpets in your interiors? The carpet is long since back, at least in England. The fad for minimalism and sterile design is over and done with! All kinds of textiles and soft materials are being used again now, for instance at restaurants and theatres. Even if only due to the acoustic aspects alone, soft materials have to be used there. I find carpets extremely interesting and would be glad to strike up a design-related dialogue. I believe that a major comeback awaits carpeting. And I believe in ceiling carpets. Thank you very much for the interview, Tom Dixon! 1. Bone Bowl Large Brass, Tom Dixon 2. Cast Mini Jack Copper, Tom Dixon 3. Wingback Armchair, Base Floor Light, Spun Table Short Brass, Stripe White Rug Round, Tom Dixon 4. Pylon Coffee Table, Plum Cocktail Set, Tom Dixon 5. Pivot Chair, Tom Dixon 6. Scoop High Chair, Pylon Table, Pylon Coat Stand, Void Light, Tom Dixon 7. Copper Shades, Tom Dixon 7.

9 16 Reference Rabobank Reference ETH LEE 17 Kinetische Architektur Kinetic architecture Die Rabobank in Roermond Die Rabobank ist die größte Bank im niederländischen Privatkundengeschäft. Nur wenige Kilometer von der deutsch-holländischen Grenze wurde in Roermond zwischen der Autobahn A73 und der Eisenbahnlinie Roermond-Sittard 2011 das neue Wissenszentrum der niederländischen Bank eröffnet, das durch seine skulpturale Architektur beeindruckt. Die städtebaulichen Vorgaben beschränkten die maximale Höhe auf 40 Meter. Der Entwurf des Büros Engelman Architecten entwarf einen schräg auskragenden Turm, der sich scheinbar entgegen der Schwerkraft aus einem monolithischen Längskörper herausdreht. Seine Gestaltung bezieht den Standpunkt an der Autobahn am Eingang der Stadt mit ein: Unter dem kinetischen Sinneseindruck der vorbeifahrenden Autofahrer scheint sich der Turm zu bewegen. Die Dynamik des Gebäudes bildet nach Auffassung der Architekten die Identität der Rabobank ab und setzt sich auch im Inneren des Gebäudes fort. Anstatt für einen monochromen Bodenbelag entschied sich der Innenarchitekt Hans Vos für die Produkte SCALE und FreeSCALE Partition, die hier in drei verschiedenen Qualitäten eingesetzt wurden. Geometrie und Farben der Fliesen wurden geschickt inszeniert, um Nutzungsbereiche zu definieren oder Zonen innerhalb des Natursteinboden- Belags zu bilden. Vorwerk-Bodenbeläge entsprechen auch den Nachhaltigkeitsrichtlinien, nach denen das Gebäude von Engelman Architecten erstellt wurde, denn alle Teppichfliesen von Vorwerk sind frei vom herkömmlich verwendeten PVC und Bitumen. Mit den in der Rabobank verlegten insgesamt m2 konnte so ein nicht unerheblicher Beitrag zur Nachhaltigkeit geleistet werden. The Rabobank in Roermond Rabobank is the largest bank in the Dutch retail banking sector. Situated in Roermond between the A73 motorway and the Roermond-Sittard railway line only a few kilometres away from the border between Germany and the Netherlands, the bank s new knowledge centre was inaugurated in 2011: an impressive structure due to its sculptural architecture. Urban development specifications limited its maximum height to 40 metres. The design drafted by the bureau Engelman Architecten envisioned an obliquely protruding tower twisting out of a monolithic longitudinal edifice, seemingly against the force of gravity. Its design incorporates the location near the motorway at the entrance to town: People driving by experience the kinetic sensation that the tower is moving, too. In the architects opinion, the building s dynamics depict the identity of Rabobank while setting it forth in the structure s interior. Instead of a monochrome flooring, interior architect Hans Vos decided in favour of the products SCALE and FreeSCALE Partition, which were utilised here in three different versions. The geometry and colours of the carpet tiles were skilfully staged in order to define entrance-access areas or form zones within the natural stone flooring. The floor coverings from Vorwerk equally comply with the guidelines for sustainability according to which Engelman Architecten erected the building, because none of the carpet tiles from Vorwerk contain any of the PVCs and bitumen conventionally used. The total of 3,000 m² laid at Rabobank enabled a more than insignificant contribution to be made towards sustainability. Photo: Rabobank building, Roermond, NL Michiel Mommersteeg Photos above and left: Rabobank, Roermond, NL Leon Abraas Das neue Gebäude LEE Im Stadtzentrum von Zürich, auf Augenhöhe mit dem ETH-Hauptgebäude von Gottfried Semper, entstand das neue Gebäude LEE der Eidgenössischen Technischen Hochschule Zürich. Das Bauwerk ist mit 40 Metern in der Stadtsilhouette gut zu erkennen und ist der erste Neubau der ETH im Zentrum seit 20 Jahren. Das Departement für Maschinenbau und Verfahrenstechnik und die Konjunkturforschungsstelle ziehen in eines der nachhaltigsten Gebäude der Schweiz ein. Es wurde nach Minergie-ECO-Kriterien errichtet und zertifiziert. Alle verwendeten Baumaterialien sind schadstofffrei und gewährleisten das zertifizierte Label GI (gutes Innenraumklima) sowie schadstoff- und allergenfreie Raumluft. Diese Kriterien erfüllt auch RE/COVER green von Vorwerk, das in der neuen Glashalle des Gebäudes verwendet wurde. Der elastomere Bodenbelag wird den erhöhten Anforderungen dieses Nutzungsbereiches gerecht und ist zudem pflegeleicht, verlegefreundlich, langlebig, geruchsneutral, emissionsarm und recyclebar. Das Muster Volcanic Dash fügt sich mit seiner Textur hervorragend in das Materialkonzept des Gebäudes ein, das kahlen Sichtbeton mit edler Holzoptik verbindet. The new LEE building LEE, the new building at ETH Zurich, the international university for technology and the natural sciences, was erected in the city centre of Zurich at eye level with the main building designed by Gottfried Semper, a famous 19th century architect. 40 metres high, the new edifice is readily identifiable in the cityscape and the first new inner-city structure at ETH since 20 years. The Department of Mechanical and Process Engineering and the Swiss Economic Institute are moving into one of Switzerland s most sustainable buildings, constructed and certified in compliance with Minergie ECO criteria. All of the construction materials used contain no harmful substances and warrant GI label certification for good indoor climates displaying indoor air without harmful substances and allergens. These criteria are equally fulfilled by RE/COVER green from Vorwerk, which was utilised in the building s new glass hall. This flooring made of elastomers does justice to the enhanced requirements posed by this focal-point access area, and is also low-maintenance, easy to install, durable, odour-free, low on emissions and recyclable. The striking texture of Volcanic Dash, the pattern chosen, fits superbly into the material concept for the building, which combines stark concrete facing with the look of precious wood. Photos below: ETH LEE, Zurich, CH Pierre Kellenberger Auge in Auge mit Semper Eye to eye with Semper

10 18 Reference ECB Reference ECB 19 Himmelb(l)auer Wolkenkratzer Holistic heights Der Neubau der EZB in Frankfurt am Main Der Neubau der Europäischen Zentralbank in Frankfurt wird wohl als Jahrhundertprojekt in die deutsche Architekturgeschichte eingehen. Doch was haben der hochmoderne Neubau der EZB und eine Barockkirche gemeinsam? Die Antwort auf diese Frage gab der Mitgründer des beauftragten Architekturbüros COOP HIMMELB(L)AU Wolf D. Prix bereits 2011 in einem Interview im DIALOG #4: Inspiriert durch die Malerei in Barockkirchen, wo sich Architektur in den Himmel auflöst, wird der Boden zum gespiegelten Himmel in hochabstrahierter Form. Das Muster für den Bodenbelag der Besprechungsräume und des großen Saals des Konferenzbereichs wurde anhand einer Analyse von Menschenströmen im Gebäude entwickelt. Bewegungsrichtungen der Benutzer in den Foyer- und Meetingbereichen wurden in dynamische Strukturen übertragen. Für die Abbildung und Umsetzung dieses Entwurfskonzepts wählten die Architekten die Vorwerk-Kollektion FreeSCALE. Durch die vielfältigen Kombinationsmöglichkeiten der einzelnen Fliesen miteinander ergeben sich je nach Bereich verschiedene, differenzierte Bilder. Das Farbkonzept der Forma -Fliesen in Hellblau, Mittelgrau und Dunkelblau nimmt ebenfalls Bezug auf die Farben des Himmels. Wolf D. Prix ist Mitbegründer des legendären Büros COOP HIM- MELB(L)AU, das in den 60ern mit psychedelischer Seifenblasenarchitektur, in den 70ern mit markigen Manifesten und in den 80ern als Vertreter der dekonstruktivistischen Architektur auf sich aufmerksam machte. Aus einem Wettbewerb im Jahr 2004 ging COOP HIMMELB(L)AU als Sieger hervor. Ihr Vorschlag für das EZB-Projekt: Ein Gebäudeensemble aus zwei Zwillingstürmen sowie die Umnutzung der Frankfurter Großmarkthalle. Die Bauarbeiten am vor wenigen Wochen fertiggestellten Gebäude begannen erst im Jahr 2010 eine erstaunlich kurze Bauzeit für ein Projekt der Superlative. The new ECB building in Frankfurt am Main It s quite likely that the new European Central Bank building in Frankfurt will go down in German history as a project of the century. But what does the state-of-the-art ECB edifice have in common with a Baroque church? Wolf D. Prix, co-founder of COOP HIMMELB(L)AU, the architectural bureau commissioned with the project, gave the answer to the question in an interview with DIALOG #4 back in 2011: Inspired by the paintings in Baroque churches where ambient architecture dissolves into the heavens above, the floor becomes a reflected sky, although in highly abstracted form. The pattern for the flooring in the conference rooms and the large hall within the conference sector was designed using an analysis of how people flow inside the building: User movement directions in the foyer and meeting areas were transposed into dynamic structures. The architects chose the Vorwerk product FreeSCALE collection to depict and enact this draft concept. Depending on the area involved, distinctly different images result from the manifold possibilities to combine the individual tiles with one another. The colour concept behind the Forma carpet tiles in light blue, medium grey and dark blue equally refers to the colours of the sky. COOP HIMMELB(L)AU is a legendary bureau of architects that drew attention to itself in the 1960s with psychedelic soap-bubble architecture, through pithy manifestos in the 70s, and as representatives of deconstructivist architecture in the 80s. In 2004 COOP HIMMELB(L)AU emerged as the winner of a project competition. The firm proposed a building ensemble made up of two twin towers and conversion of the erstwhile main market hall. Completed a few weeks ago, the construction work on the building commenced in 2010, an amazingly short building phase for a project in the superlative category. und die EZB von innen erleben. and experience the ECB from within. Photos: ECB building, Frankfurt am Main, Stephanie von Becker

11 20 Art Commitment Carpeting as a canvas Der Teppich als Leinwand Exhibition view Oldenburger Kunstverein, Germany 2. Lange Nacht, 2014 Velour carpet 205 x 1200 cm courtesy Galerie Bernd Kugler 4. Editorial Credits 3. und in die Welt von Tobias Hantmann eintauchen. and plunge into the world of Tobias Hantmann. Tobias Hantmann hat eine faszinierend subtile Darstellungstechnik entwickelt. Sein einziges bildnerisches Mittel ist das Licht. Die Leinwand ist: ein Teppich. Wir haben das Alltagsphänomen schon oft mehr oder weniger bewusst erlebt: Beim Staubsaugen sowie der täglichen Benutzung legt sich der Flor eines Teppichs in verschiedene Richtungen und die Oberfläche reflektiert die vorangegangene Bewegung. Tobias Hantmann hat durch das das Aufstellen und Niederdrücken des Flors eine künstlerische Technik entwickelt, die einen faszinierenden Effekt evoziert. Allein durch das Kämmen der Ausrichtung der textilen Fasern und dem unterschiedliche Lichteinfall entstehen illusionistische, detailreiche Darstellungen bühnenhafter Szenen auf den monochromen Velours-Teppichen der Qualität Lyrica von Vorwerk. Zu Rechtecken geschnitten, hängen sie wie Gemälde an den Wänden und reflektieren das Licht in höchst differenzierten Tonwerten. Schon seit einigen Jahren verwendet Tobias Hantmann in seinen Velours-Arbeiten immer wieder Ansichten von Weihnachtskrippen, die er zunächst fotografiert und anschließend in Ausschnitten auf die textile Oberfläche überträgt. Hantmann dehnt, kippt und isoliert das Bildmaterial, das er anschließend neu zusammensetzt. Zuletzt war Tobias Hantmanns Werk im Oldenburger Kunstverein ausgestellt, wo auch die Werkgruppe Sets aus dem Jahr 2009 zu sehen war. Sie besteht aus Kochtöpfen, deren Unterseiten mit dem illusionistischen Bild des für Topfböden typischen konzentrischen Glanzes bemalt sind und auf diese Weise ihr eigenes Aussehen dokumentieren. Mit Teppichen begann Hantmann erstmals 2006 zu arbeiten. Viele der Vorwerk-Kollektionen und Sondereditionen entstehen in Zusammenarbeit mit international renommierten Architekten, Designern und Künstlern. Mit seinem Art Commitment unterstützt Vorwerk Kunstprojekte, Ausstellungen und Museen und tritt so in einen Dialog mit der zeitgenössischen Kultur, der in den Produkten der Marke reflektiert wird. 3. Kaltes Feuer, 2014 Velour carpet 410 x 400 cm courtesy Galerie Bernd Kugler 4. Stein Krug Bruch, 2014 Velour carpet 205 x 300 cm courtesy Galerie Bernd Kugler Photos: Roman März Tobias Hantmann has developed a fascinatingly subtle technique for portrayal. His sole pictorial medium is light. The canvas: a carpet. We have often experienced this everyday phenomenon more or less consciously: While vacuuming or during daily use a carpet s pile lays itself in different directions and the surface reflects the preceding movement on it. By setting the pile upright and pressing it down Tobias Hantmann has developed an artistic technique that evokes a fascinating effect. Solely as a result of combing the textile fibres alignment together with varying incident light, illusionistic portrayals of stage-like scenes exhibiting a wealth of detail arise on the monochrome velours carpets from Vorwerk entitled Lyrica. Cut into rectangles, they hang on the wall like paintings while reflecting light in extremely differentiated tonal values. For several years now Tobias Hantmann has been using images of nativity scenes time and again in his work with velours, first by taking photographs of the scenes, then transposing them segment for segment to the textile surface. Hantmann stretches, tilts and isolates the pictorial material before subsequently reassembling it anew. Most recently Tobias Hantmann s works were exhibited at the Oldenburger Kunstverein, an art museum where Sets, his group opus from 2009, could also be seen. It consists of cooking pots whose bottoms are painted with the illusionistic image of the concentric sheen typically found on the bottoms of pots, thereby documenting the particular way they look. Hantmann first began working with carpets in Many of the collections and special editions from Vorwerk originate in co-operation with internationally renowned architects, designers and artists. Vorwerk supports art projects, exhibitions and museums due to its art commitment, and by doing so enters into a dialogue with contemporary culture, a dialogue reflected in the products belonging to the brand. Vorwerk & Co. Teppichwerke GmbH & Co. KG Kuhlmannstrasse 11 D Hameln Telephone: Telefax: Vorwerk & Co. Teppichwerke GmbH & Co. KG c/o Thomas Aichholzer Zyklamengasse 32 A 1140 Wien Telephone: Telefax: Vorwerk & Co. Teppichwerke GmbH & Co. KG c/o Walter Auer Römerwiese 11 CH 8645 Jona Telephone: Telefax: Art direction and editorial office: Virtual Design Unit, Zurich, CH in co-operation with wohler-wettstein, Zurich, CH Production: Produktionsbüro Romey von Malottky GmbH, Hamburg, D Print/Augmented Reality: updruck printmanufaktur, Hameln, D Translations: Leigh Hoch, Hamburg, D Photos (Cover): BIG Visualisations (2 3): Virtual Design Unit, Zurich, CH Photo (3): Ivo v. Renner, Hamburg, D Photos (4 5): BIG and others, see captions Visualisations (6 7): Virtual Design Unit, Zurich, CH Photos (8 9, far left and right): Nomad, Hollenstedt, D Senfft Studios, Rossdorf, D Photos (8 9): Nomad, Hollenstedt, D Ivo v. Renner, Hamburg, D Poster (10 11): Werner Aisslinger, Berlin, D Photos (12 13): Nomad, Hollenstedt, D Magnus Pettersson, Berlin, D Photos (14 15): Tom Dixon and others, see captions Photos (16 17, Rabobank Roermond building): Harry Segers, Roermond, NL Photos (16 17, Rabobank Roermond): Leon Abraas, Sweikhuizen, NL Photos (16 17, ETH LEE): Pierre Kellenberger, Zurich, CH Photos (18 19): Stephanie von Becker, Berlin, D Photos (20): Roman März, Berlin, D VKF-Nr /2015