Nicola Barth. Katalog zur Ausstellung Nanometer: Alles im grünen Bereich Galerie Kunstpunkt Darmstadt

Transkript

1 Nicola Barth

2 Nicola Barth Katalog zur Ausstellung Nanometer: Alles im grünen Bereich Galerie Kunstpunkt Darmstadt

3 Mani Fukasch Natus, 2017, Mixed media auf Papier, 100 x 70 cm Mani Estell Natus, 2017, Mixed Media auf Papier, 100 x 70 cm

4 Orwell BB1, 2017, Acryl, Graphit und Ölkreide auf Papier, 60 x 42 cm Orwell BB2, 2017, Acryl, Graphit und Ölkreide auf Papier, 60 x 42 cm

5 Fliegende Teppiche, 2017, Mixed Media auf Notenblättern, 34 x 28 cm Grüne Musik GM 2/10, 4/10, 5/10, 7/10, 8/10

6 FliehfließfliegenderKosmos, 2017, Acryl, Pigmente, Lack und Öl auf Leinwand, 160 x 120 cm Fesir Enal Kuteel, 2017, Acryl und Graphit auf Papier, Monotypie bearbeitet, 60 x 42 cm Fesir Enud Kuteel, 2017, Acryl und Graphit auf Papier, Monotypie bearbeitet, 60 x 42 cm

7 Cosmo Kudi Isch, 2017, Acryl auf Papier, Monotypie bearbeitet, 60 x 42cm Cosmo Flodo Isch,2017, Acryl auf Papier, Monotypie bearbeitet, 60 x 42 cm Cosmo Bang Isch, 2017, Acryl auf Papier, Monotypie bearbeitet, 60 x 42 cm Cosmo Nade Isch, 2017, Acryl auf Papier, Monotypie bearbeitet, 60 x 42 cm

8 Kurkoma Natti Nusch, 2017, Acryl und Lack auf Leinwand, 40 x 50 x7 cm Kurkoma Natti Nei, 2017, Mixed Media auf Leinwand, 50 x 40 x 7 cm Kurkoma Natti Aum, 2017, Acryl und Lack auf Leinwand, 40 x 50 x7 cm Kurkoma Natti Luz, 2017, Mixed Media auf Leinwand, 50 x 50 x 7 cm

9 Morpho Dia Genos, 2017, Acryl und Öl auf Leinwand, 160 x 120 cm Serie Lebendiges Dahinter LD 25 28, 2017, Öl auf Papier, 30 x 40 cm

10 Bild: Nakuscha Ilai Don, 2014, Installation Good Stuff, 2017 Foto: Barbara Mittmann

11 Vom Giftgrün bis zur grünen Lunge Nicola Barths malerische Variationen auf ein widersprüchliches Kolorit Kurze Geschichte der Farbe Grün in Kunst und Alltag Wenn man Gelb und Blau, welche wir als die ersten und einfachsten Farben ansehen, gleich bei ihrem ersten Erscheinen auf der ersten Stufe ihrer Wirkung zusammenbringt, so entsteht diejenige Farbe, welche wir Grün nennen. Unser Auge findet in derselben eine reale Befriedigung. Wenn beide Mutterfarben sich in der Mischung genau das Gleichgewicht halten, dergestalt dass keine vor der andern bemerklich ist, so ruht das Auge und das Gemüt auf diesem Gemischten wie auf einem Einfachen. Man will nicht weiter, und man kann nicht weiter. Deswegen für Zimmer, in denen man sich immer befindet, die grüne Farbe zur Tapete meist gewählt wird. Das schrieb Johann Wolfgang Goethe in seiner Farbenlehre, einem Traktat, dass er höher schätzte als seine literarischen Werke. Noch im hohen Alter sagte er zu Johann Peter Eckermann: Auf alles, was ich als Poet geleistet habe, bilde ich mir gar nichts ein. [ ] Dass ich aber in meinem Jahrhundert in der schwierigen Wissenschaft der Farbenlehre der einzige bin, der das Rechte weiß, darauf tue ich mir etwas zugute. Aber galt Grün, wie Goethe meinte, wirklich als angenehmeste Farbe für Räume, in denen man sich oft aufhielt? In der Tat war sie seit dem 18. Jahrhundert als Farbe für Innenräume beliebt. Man könnte spekulieren, dass das Kolorit mit dem Naturphilosophen Rousseau in Mode kam. Es symbolisierte Frische, Vitalität, Jugend und Energie alles, was auch Frankreichs Königin Marie-Antoinette verkörpern wollte. Sie ließ die Wände des Salons der Noblen im Schloss von Versailles von ihrem Lieblingsarchitekten Richard Mique mit apfelgrünen Damasttapeten beziehen. Auch Napoleon I. liebte die Farbe Grün. Zu seiner Zeit kam eine Farbe in Mode, die imperiales Grün hieß und eng mit dem Empire-Stil verbunden war, zu dem Napoleon die Möbelschreiner und Dekorateure inspirierte. In Fontainebleau schlief Napoleon etwa in einem grünen Bett. In seinem letzten Exil auf der Atlantikhinsel St. Helena ließ der entthronte Kaiser die Wände in allen Räumen grün tapezieren. Die Farbe Grün war jedoch nicht ungefährlich. Im frühen 19. Jahrhundert war das Schweinfurter Grün, das Arsen und Kupfer enthielt, beliebt. Es leuchtete bläulich und kräftig. Vincent van Gogh verwendete es in seinen Bildern. Kupfergrünspan, in Arsen gelöst, ergibt ein schönes Grün nur war es eben auch gesundheitsschädlich. Trotzdem galt es aufrund seiner Strahlkraft als unersetzlich. Doch seine gesundheitsschädlichen Folgen sind legendär. So fand man in den Haaren Napoleons nach dessen Tod Arsen. Es stammte von den Ausdünstungen seiner grünen Interieurs auf St. Helena. Dort lösten Salz und Meerluft offenbar besonders effektiv das Arsen von den grünen Wänden und verbreiteten es im Raum. Faszinierend ist die Symbolik der Farbe Grün durch die Jahrhunderte. Der französische Mediävist Michel Pastoureau schrieb ein Buch darüber (Vert, Histoire d une couleur. Seuil,240 S). Er fand heraus, dass der römische Kaiser Nero, die Farbe grün liebte. Er verband sie möglicherweise mit der Pracht des Orients und mit dem Grün von Smaragden. Im Mittelalter war Grün einerseits die Farbe der Natur und der Frische, aber auch die des Satans,der Drachen, des Antichristen und der Feen. Rot war die Farbe der Oberschicht und der Aristokratie, Grün die des Bürgertums. Die Mona Lisa trug grün, stammte doch die dargestellte Lisa Giocondo aus einer großbürgerlichen Florentiner Familie. Die Medici kleideten sich hingegen in Rot. Auch die Schuhabsätze Ludwigs XIV waren rot und nur ihm waren die Farbe am französischen Hof vorbehalten. Rote Kleidung war lange Zeit die teuerste in der Herstellung. Wer Rot trägt, wirkt aber nicht nur auffälliger, sondern auch attraktiver, wie Untersuchungen des US-Psychologen Andrew Elliott zeigen. Das gilt für Männer und Frauen gleichermaßen. Aber auch das Grün hat einen Ehrenplatz in der Geschichte: Mit grünem Leder sind bis heute die Bänke des britischen Unterhauses bezogen, des House of Commons. Rot sind die Bänke des Oberhauses, des House of Lords. Grün ist im 19. Jahrhundert eine häufige Farbe in den an Naturmotiven reichen Tapeten von William Morris. Seit dem 18. Jahrhundert steht Grün für die Liebe zur Natur und ist auch sonst positiv besetzt: Bei Grün dürfen wir an der Ampel losfahren, Rot gebietet uns, zu halten. Mitte des 19. Jahrhunderts wandelte die Naturwissenschaft auf den Spuren der Farbenlehren Isaac Newtons und Johann Wilhelm von Goethes. Der Franzose Michel Eugène Chevreuil und der Amerikaner Ogden Rood erforschten das Zusammenspiel von Farben untereinander. Chevreuil konstruierte einen 72teiligen Farbenkreis, dessen Radien neben den drei Primärfarben Rot, Gelb und Blau die drei primären Mischungen Orange, Grün (Grün entsteht aus Blau und Gelb) und Violett und sechs weitere sekundäre Mischungen darstellte. Seitdem stehen sich Grün und Rot im Farbkreis als Komplementärfarben gegenüber. Komplementärfarben ergeben zusammen die Farbe Grau. Chevreuil fand zum Beispiel heraus: Wenn man zwei ähnlich gefärbte Papierstücke mit leichten Helligkeits- und Farbton-

12 Nicola Barths Ausstellung Nanometer: Alles im grünen Bereich abweichungen direkt aneinander legt, so entsteht für den Betrachter überaschenderweise ein starker Farbkontrast. Ogden Rood bemerkte, dass kleine Punkte verschiedener Farbe zu einer neuen Farbe verschmelzen, wenn man sie aus der Entfernung betrachtete. Beide Forscher beeinflussten erheblich die Maler des Neo-Impressionismus und des Pointillismus, vor allem ihren gelehrigsten Schüler Georges Seurat. Der Gegensatz von Rot und Grün spielt bei den Symbolisten eine wichtige Rolle, etwa bei Paul Gauguin, dessen Bild In den Wellen (Undine) seine Wirkung aus dem Kontrast der Komplementärfarben Rot und Grün bezieht. Mit den Wirkungen von Rot und Grün befasste sich auch Mark Rothko, wenn er mit seinen Farbfeldern experimentierte. Heute ist Farbpsychologie ein Thema vor allem für Interior Designer und für Farben- und Trendgurus wie Pantone. Das amerikanische Unternehmen, das seit 1963 das gleichnamige Farbsystem für die Druckindustrie, Mode- und Interiorbranche entwickelte, erkor Greenery zur Farbe des Jahres und das obwohl nur 18 Prozent der Deutschen Grün als ihre Lieblingsfarbe bezeichnen. 40 Prozent bevorzugen blau, 19 Prozent rot. Schwarz liegt mit 16 Prozent vor Gelb mit elf und Weiß mit acht Prozent. Orange, Braun, und das in der Kindheit so heiß geliebte Lila kommen nur auf gut sechs Prozent, schrieb die Frankfurter Allgemeine Zeitung. Das Blatt flanierte durch die Hallen der Interior-Messen in Köln und Paris und wähnte sich in einem möbliertem Botanischen Garten. Grünzeug ist nicht nur auf den Fachmessen, sondern auch im real existierenden deutschen Alltag zu sehen. Dieses Grün kam als Kakteeninvasion in Einmachgläsern vor gut zwei Jahren überfallartig aus der Spießerecke, machte sich in Bücherregalen und auf Kopfkissen breit. In-Hotels beklebten ihre Wände mit Bananenblättermotiven, sogar die Wartestühle bei Dorffrisören färbten sich auf einmal ganz in Moos, schrieb die F.A.Z. Ob Pantones Greenery für die emblematische Sehnsucht nach Grün in Zeiten von erhöhten Feinstaubwerten, Zersiedelung und Klimawandel steht? Gut möglich. Fest steht: Selten war die Sehnsucht nach Grün größer als heute. Intuitiv und ohne Wissen um die neuesten Trends hat die Künstlerin Nicola Barth ein Bedürfnis erspürt, als sie beschloss, eine ganze Serie der Farbe Grün zu widmen Ihre Entscheidung fiel rein intuitiv. Sie suchte nach dem leuchtenden Rot ihrer Bilderserie Donnerwetter: Eine visuelle Urknalltheorie nach einer neuen Farbe und landete vermutlich nicht umsonst bei Grün, denn wie wir nun wissen, sind Rot und Grün komplementär und somit die für einander die perfekte Ergänzung. Für ihre nächste Ausstellung, so nahm sie sich vor, würde sie einen grünen Raum schaffen, ihn mit abstrakten und organisch anmutenden Papierarbeiten und Ölbildern in der Farbe Grün bestücken. Die Anordnung, so ihre Idee, kann fast willkürlich sein, sich auch mal überlappen, darf unordentlich wirken, Verwirrung stiften. Monatelang zog sich Nicola Barth in ihr Atelier im Rhein-Main-Gebiet zurück, um die Wirkung dieser zeitgemäßen, ja angesagten Farbe in all ihren Facetten auszuloten Nanometer: Alles im grünen Bereich lautet nun der Titel der Schau in der Darmstädter Galerie Kunstpunkt, einer Institution, die vom BBK Darmstadt und der Darmstädter Sezession bespielt wird. Nicola Barth zeigt in der Ausstellung fast ausschließlich Papierarbeiten in Formaten zwischen 42 mal 30 Zentimern und 70 mal 100 Zentimetern. Beinah alle entstanden 2017 eigens für die Ausstellung. Sie zeigen sämtliche Schattierungen von Grüntönen.Sie verlaufen in Schlieren oder ergießen sich fast monochrom über die Bildfläche. Einige scheinen mit seltsamen Klecksen und Punkten besprenkelt und mit Linien durchzogen. Es ist kein totes, kein perfektes Grün (eben nicht das oben erwähnte, gerade so gepriesene Pantone-Grün), das Nicola Barth uns zeigt, sondern ein lebendiges vielschichtiges Grün, wie man es in der Natur vorfindet. Nicola Barth versteht ihr Werk als Spiel mit Farben und Formen, die teils zufällig, teils geplant entstehen und keine Bedeutung im klassischen Sinne haben. Auch die Titel der Bilder formuliert sie bewusst vage. Sie sind für die Künstlerin Klangbilder, keine Bedeutungsträger. In den Arbeiten Nicola Barths geht es um Entwicklungsprozesse, die sich auf einer Metaebene abspielen. In diesen Prozessen gibt es weder Richtig noch Falsch, nichts Fertiges oder Unfertiges. Das Leben ist ständig im Fluss, sagt sie. Meine Arbeiten sind auf diesem Weg Momentaufnahmen, die ich zu einem bestimmten Zeitpunkt an einem Tag X beendet habe. Am Anfang ihrer Arbeit steht eine intuitive Zeichnung mit dem Graphitstift oder eine Monotypie. Es kann aber auch sein, dass sie die Farbe zu allererst unmittelbar auf das Papier oder die Leinwand fließen lässt und ihr dann mit Gummispatel oder Malerbesen die Richtung weist und erst zum Schluss mit dem Graphitstift Akzente setzt. Entscheidet sie sich für die Monotypie, dann bestreicht und betröpfelt Nicola Barth eine resopalbeschichtete Malplatte

13 mit Farben. In ihrer grünen Serie verwendet sie erstmals Acrylfarbe, die schneller trocknet als Ölfarbe. Mit dem Gummispatel streicht sie die Farbe auf, mit dem Pinsel lässt sie das Kolorit auf die Platte tropfen. Anschließend presst sie ein dickes, saugfähiges Papier auf diese Platte. Auf diesen Farbabdruck lässt sie anschließend Schellack tropfen, jenes Harz der Lackschildlaus, das der Laie von Schallplatten und von Antiquitätenpolituren her kennt, das aber auch in der Kunst Verwendung findet, etwa um die Trockung von Ölfarbe zu beschleunigen. Der Schellack frisst sich in die Farbe hinein und hinterlässt gebleichte, zellähnliche Spuren auf dem Blatt. Die Künstlerin bearbeitet das Papier weiter, etwa indem sie mit der flachen Seite der Farbwalze auf verschiedene Stellen des Blattes hämmert und dabei dunkle Druckstellen hinterlässt so in der vierteiligen Cosmo-Serie. Anschließend bemalt sie das Werk mit Ölfarbe. Die lebendige Ölfarbe ist meist der krönende Abschluß, sie gibt den Bildern Wärme, Leuchtkraft, Tiefe und Lebendigkeit. Allerdings liebt sie es auch, mit dem Graphitstift noch ein paar Linien über das Blatt zu ziehen um ihm eine zusätzliche Dimension hinzuzufügen. Eine neue, 16teilige Serie von Papierarbeiten in Acryl, Öl und Graphit auf Papier trägt den Titel needlesandnails.com und Spezifizierungen wie 39/84. Nicola Barth trieb Löcher ins Papier, und die Zahlen verraten, wie viele Löcher auf dem Blatt durch Nadeln und wie viele durch Nägel entstanden. Warum perforiert sie überhaupt ihre Bilder? Sie tut das einerseits, um das Undurchlässige durchlässig zu machen, andererseits ist das Durchlöchern für sie ein Akt der Schöpferischen Zerstörung, jenes Prozesses, den der Ökonom Joseph Schumpeter als eine der Triebkräfte jeder Kreation beschrieben hatte. Nichts bleibt, so formuliert es Nicola Barth, alles ist ständig im Wandel. Und jeder Moment ist schon vorbei, wenn man an ihn denkt. Schon lange arbeitet sie an der Idee des erweiterten Bildraums. Ihre willkürlichen Linien, gezogen mit Graphit-Bleistiften, die sich in fast all ihren Arbeiten zeigen und den schöpferischen Prozess entweder aufmachen, begleiten oder abschließen, bezeichnet Nicola Barth als Gedanken. Diese Gedanken finden sich auch auf den beiden Leinwandarbeiten Kurkoma Natti Nei und Kurkoma Natti Aum wieder. Hier verlassen sie mittels Draht und Schläuchen den klassischen Bildraum. Wie schon in früheren Bildern arbeitete die Künstlerin auch diesmal in das Werk gefundene Notenblätter ein. Ihr Flirt mit dem feinen Material begann vor drei Jahren, als sie einen Stapel von Partituren auf dem Flohmarkt erstand. Sie war fasziniert von Haptik und Struktur der dünnhäutigen Blätter. Sie bestaunte ihre Gebrauchsspuren, etwa Knicke und handschriftliche Notizen, die ihre Phantasie beflügelten. Nicola Barth stellte sich einen Schüler mit seiner Klarinette vor, der mit schweißnassen Hände die Seiten umblättert. Die mögliche Geschichte hinter den Notenblättern verlieh diesen eine eigene Energie. Indem Nicola Barth die Ölfarbe auf ihnen aufträgt, transformiert sie diese Energie. Nicola Barth tränkt die Notenbläter in Farbe. Sie zerknüllt und glättet sie, lässt sie trocknen, klebt zwei, drei dieser Blätter unsymmetrisch und mit ihren Knicken und kleinen Rissen aneinander und bearbeitet sie mit Acryl, Ölfarbe und wiederum mit Graphitstift. Wenn sie getrocknet sind, vernäht sie die Notenblätter miteinander. So werden sie zu grüner Musik, sagt die Künstlerin. Als sie noch Germanistik studierte, wollte Nicola Barth eigentlich Bücher schreiben. Irgendwann tauschte sie den Stift mit dem Pinsel, weil ihr das als Ausdrucksform leichter fiel. Die Wirkung von Malerei empfand sie als unmittelbarer. Das Wort schreibt vieles fest, die Malerei lässt mehr Deutungsspielraum und arbeitet auf einer anderer Ebene als Sprache, sagt sie. Ihre Bildsprache ist wohl geprägt durch ihre Erfahrung als Modedesignerin. Eine Zeitlang betrieb sie mit vier Freundinnen ein Modelabel und fertigte aus Stoffen Unikate. In ihrem Umgang mit dem Papier ist das Handwerkliche der Mode noch lebendig, so wenn sie Blätter mit den Händen walkt und mit der Nähmaschine traktiert. Ihren Arbeiten ist etwas Stoffliches zu eigen. Sie wirken auf einer optischen und einer haptischen Ebene. Der Mode entlehnt ist auch die Idee, dass Farbe und Form für sich sprechen und keiner Erklärung bedürfen. Die Wirkung des bearbeiteten Materialien bedarf nicht vieler Worte. Sie ist eine Sprache, die eigenen Gesetzen folgt. Nicola Barth steht in der Tradition der Abstraktion, die mit Wassily Kandinsky ihren Siegeszug durch das 20. Jahrhundert begann. Anklänge an Informel und Abstrakten Expressionismus sind offensichtlich. Neu ist jedoch an ihren aktuellen Werken die konsequente Fokussierung auf eine Farbe ob die nun zeitgeistig ist oder nicht. Grün scheint nicht nur für Natur und Erholung zu stehen, sondern auch in Euphorie zu versetzen. Das suggeriert eine , die Nicola Barth aus ihrem Atelier schrieb: Ich bade immer noch in Grün, schwärmte sie. Mit ihrer Arbeit Good Stuff empfiehlt sie sogar, per Wasserpfeifenschlauch Grün zu inhalieren. Sicher ist: Das Grün von Nicola Barth macht süchtig. Und anders als zur Zeit Van Goghs ist die Farbe heute nicht nur in der Natur, sondern auch als Farbe gut verträglich. HOLGER CHRISTMANN, April 2017

14 needelsandnails.com, 2017, Acryl, Graphit und Ölkreide auf Papier, gelöchert, 42 x 30 cm

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16 Fakal Ulut Debas, 2017, Acryl, Öl, Graphit auf Papier, 65 x 50 cm Künstlerporträt von Sandra Mann: Es ist (Nicola Barth, Frankfurter Stadtwald), 2016 photo Sandra Mann Impressum Adresse Atelier Die11 Dieburger Straße Langen nicola-barth@web.de Text Holger Christmann Satz & Design Marielou Barth marielou.barth@gmx.de Fotos Barbara Mittmann Studio 21 GmbH Langen Sandra Mann Künstlerporträt

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