SWR2 Musikstunde. Bilder einer Ausstellung: Inspirationsquellen der Musik (4) SWR2 MANUSKRIPT ESSAYS FEATURES KOMMENTARE VORTRÄGE

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1 SWR2 MANUSKRIPT ESSAYS FEATURES KOMMENTARE VORTRÄGE SWR2 Musikstunde Bilder einer Ausstellung: Inspirationsquellen der Musik (4) Von Thomas Rübenacker Sendung: Donnerstag, Uhr Redaktion: Bettina Winkler Bitte beachten Sie: Das Manuskript ist ausschließlich zum persönlichen, privaten Gebrauch bestimmt. Jede weitere Vervielfältigung und Verbreitung bedarf der ausdrücklichen Genehmigung des Urhebers bzw. des SWR. Mitschnitte auf CD von allen Sendungen der Redaktion SWR2 Musik sind beim SWR Mitschnittdienst in Baden-Baden für 12,50 erhältlich. Bestellungen über Telefon: 07221/ Kennen Sie schon das Serviceangebot des Kulturradios SWR2? Mit der kostenlosen SWR2 Kulturkarte können Sie zu ermäßigten Eintrittspreisen Veranstaltungen des SWR2 und seiner vielen Kulturpartner im Sendegebiet besuchen. Mit dem Infoheft SWR2 Kulturservice sind Sie stets über SWR2 und die zahlreichen Veranstaltungen im SWR2-Kulturpartner-Netz informiert. Jetzt anmelden unter 07221/ oder swr2.de

2 2 MUSIKSTUNDE mit Trüb Donnerstag, Mit Thomas Rübenacker. Bilder einer Ausstellung: Inspirationsquellen der Musik, heute: Teil 4. Vielleicht die größte Inspirationsquelle für Musik ist die Bildende Kunst. Wie oft hört man, dass ein Komponist in Tönen male, etwas seltener allerdings, dass ein Maler in Farben musiziere. Es gibt das Tongemälde, und es gibt vor allem die Klangfarbe. Es ist fast so, als wolle der Betrachter sagen: Musik, die flüchtigste aller Künste, werde im Bild sozusagen tiefgefroren, für alle Ewigkeit festgehalten. Das Einzige, was sonst eine Komposition für den Konzertsaal und eine Leinwand-Komposition unterscheidet, ist: dass letztere weitgehend frei ist von Formschemata. Kein Sonatenhauptsatz, keine Toccata, keine Fuge in Bildern; höchstens lose Absprachen mit dem Zeitgeist, verspielte Zeichenhaftigkeit in Anspielungen und (meist huldigungsvollen) Bezügen. Die musikalische Bildbeschreibung ist eine an sich romantische Angelegenheit, grob gesagt, beginnt sie mit Mussorgskys Bildern einer Ausstellung. Aber bereits vorher schuf z. B. Franz Liszt eine Hunnenschlacht in Tönen, die nicht ein tatsächliches Geschehen vorgab abzubilden, sondern Bildbeschreibung war eines Wandteppichs in der Kneipe, wo Liszt gerne zu Mittag aß bzw. frühstückte, da er selten vor zwölf Uhr mittags vom Lager sich erhob. Und noch viel früher als in der Liszt'schen Romantik waren Bilder der Ausgangspunkt für musikalische Kontemplation, so die in harschem Hell-Dunkel gehaltenen Sakraldarstellungen des spanischen Malers Francisco de Zurbarán. Zurbarán war ein Kind des 17. Jahrhunderts, und sein Chiaroscuro, eben das Raumtiefe suggerierende Hell-Dunkel, trug ihm den ehrenvollen Spitznamen der spanische Caravaggio ein. Mit diverser Chormusik der Zeit teilen seine Gemälde, außer den schroffen Kontrasten, ein religiöses Grenzerlebnis: die Ekstase. MUSIK: DE PONTAC, AGNUS DEI, TRACK 4 (3:08) DIEGO DE PONTAC, Agnus Dei; Huelgas Ensemble, Paul de Nevel; cypres Diego de Pontac, Agnus Dei die frühe Vertonung eines Bildes, nämlich des berühmten Gotteslamms des spanischen Malers Zurbarán. Das Huelgas Ensemble sang unter Leitung von Paul van Nevel fand in Moskau eine Gedenkausstellung statt, mit Aquarellen und Zeichnungen des ein Jahr zuvor verstorbenen Architekten Viktor Hartmann. Der Komponist damals eigentlich: Ingenieur in Staatsdiensten - Modest Mussorgsky war gut befreundet mit ihm gewesen, nachdenklich und melancholisch durchschritt er die Ausstellung. Seinen Gang vorbei an düsteren, grotesken,

3 3 atmosphärischen, immer aber farbigen Bildern (und diese selbst) zu vertonen, der Gedanke kam Mussorgsky freilich nicht. Dazu bedurfte es eines weiteren Freundes, des Kunstkritikers Wladimir Stassow. Der bemerkte, wie tief bewegt der Freund war von Hartmanns Kunst und schlug ihm einen Klavierzyklus vor, dessen vollständiger Titel lauten sollte: Bilder einer Ausstellung Erinnerungen an Viktor Hartmann. Noch im selben Jahr machte Mussorgsky sich daran, es wurde sein bekanntestes Werk (und Stassow übrigens der Widmungsträger). Damit aber nicht lauter lose Einzelbilder im Raume stünden, komponierte Mussorgsky raffinierterweise noch sich selbst als Betrachter mit ein: Eine immer wiederkehrende, aber sich subtil verändernde Promenade wurde zur Stimme des Komponisten selbst; ja, im letzten Bild, dem Großen Tor von Kiew, erklingt die Promenade auch in der Bildbeschreibung selbst, so, als habe der Komponist im gemalten Gewusel sich selbst erkannt (was durchaus möglich war: Er war mit dem Maler ja befreundet gewesen)! Beginnen wir mit der Originalfassung. Anatol Ugorski spielt uns die einleitende Promenade, dann das schockierend lebensnahe erste Bild, Gnomus, das einen grotesk verwachsenen Zwerg mit Tourette-Syndrom zeigt: sich schwer dahinschleppend, dann plötzlich auffahrend und sich verstolpernd, dann wieder qualvoll langsam. Eine Alptraum-Existenz. MUSIK: MUSSORGSKY, BILDER EINER A., TRACKS (4:34) MUSSORGSKY, Bilder einer Ausstellung; Anatol Ugorski (Klavier); DG (LC 0173) Der Beginn des Zyklus' Bilder einer Ausstellung von Modest Mussorgsky in der originalen Klavierfassung: Anatol Ugorski spielte die einleitende Promenade und dann das erste Bild, Gnomus. Ja, und jetzt hören wir uns ohne große Vorrede den Stolperzwerg in der Orchesterfassung des Dirigenten Leopold Stokowski an MUSIK: MUSSORGSKY/STOKOWSKI, BILDER, TRACK 10 (2:23) MUSSORGSKY/STOKOWSKI, Bilder einer Ausstellung; BBC Philharmonic, Matthias Bamert; Chandos 9445 (LC 7038) Das war Mussorgskys Gnomus im orchestralen Blow-up des Dirigenten Leopold Stokowski: die reinste Filmmusik! Stokowski wurde 1882 in London geboren, er war also Engländer, obwohl er später behauptete, in Krakau geboren zu sein, und zeitlebens parfümierte er sich mit einem vage osteuropäischen Akzent, wohl weil er dachte, das gäbe ihm einen bohèmienhafteren Air; unter Umständen inspirierte ihn dazu auch seine erste Ehefrau, eine Pianistin, die sich Olga Samaroff

4 4 nannte, in Wahrheit aber Lucy Hickenlooper hieß und aus Texas stammte. Am Royal College of Music studierte er zunächst einmal Orgel, einer seiner Mitschüler war Ralph Vaughan Williams. Und danach arbeitete er tatsächlich anfangs als Organist und Chorleiter, in Piccadilly und Charing Cross; Kritiker seiner zahlreichen üppigen Orchesterfassungen sagten später, dass er die Musik nicht orchestriere sondern sie registriere. Es ist ganz spaßig, Stokowskis Bilder mit der älteren und berühmteren Version von Maurice Ravel zu vergleichen: Manches ist bei Stoky (wie sie ihn nannten) eindrucksvoller, mehr aber bei Ravel. Zum Beispiel Das alte Schloss, bei Hartmann eigentlich ein atmosphärisches Stilleben, Mussorgsky erfand dazu einen Troubadour, der zum ostinaten Bass auf Gis seine melancholische Weise singt vermutlich für ein Burgfräulein, das ihn verschmäht hatte. Ravel nutzt den lasziven Klang des Saxophons als Troubadour-Stimme, und das passt wie Hand in Handschuh. Stokowski dagegen wollte nicht als Plagiator dastehen, oder der Saxophonklang war ihm zu französisch - Stokowski lässt das Englischhorn singen. Und bringt das Stück so um einiges an Klangreiz. MUSIK: MUSS./STOKOWSKI, BILDER, TRACK 12 (3:46) MUSSORGSKY/STOKOWSKI, Bilder einer Ausstellung; BBC Philharmonic, Matthias Bamert; Chandos 9445 (LC 7038) So weit Il vecchio castello bei Leopold Stokowski. Da holt Maurice Ravel aus der Troubadourklage doch deutlich mehr heraus MUSIK: MUSS./RAVEL, BILDER, TRACK 4 (4:27) MUSSORGSKY/RAVEL, Bilder einer Ausstellung; Chicago Symphony Orchestra, Fritz Reiner; RCA (LC 0316) Sinnlicher, betörender hier als bei Leopold Stokowski: Maurice Ravel nutzt als Stimme des Troubadours in Das alte Schloss das erst im 19. Jahrhundert erfundene Saxophon, einen ungewohnt schmelzenden, dunkler timbrierten Bläserklang, von dem Instrumentenbauer Adolphe Sax perfektioniert. Fritz Reiner dirigierte das Chicago Symphony Orchestra. Und wir wollen noch einmal zur Originalfassung zurückkehren, zu Mussorgskys Klavierzyklus! Wenn eins der Bilder nach Orchestrierung schreit, ist es das letzte, Das Große Tor von Kiew. Denn für den einzelnen Pianisten mit seinen beiden Händen ist das beinahe eine étude

5 5 transcendante, sprengt es beinahe die Grenzen des Klaviers das Miteinander und Ineinander von altrussischer Architekturwucht, feierlichen Aufzügen, nationalem Hymnus, frenetischen Kirchenglocken und Choralernst, am Ende mit äußerster Kraftentfaltung und einer pathetischen Haltung, wie sie ein Liszt nicht verlangt hatte: Allegro alla breve. Maestoso. Con grandezza. Zuerst wieder Anatol Ugorski. MUSIK: MUSSORGSKY, BILDER, TRACK 16 (6:22) Das letzte der zehn Bilder, Das Große Tor von Kiew, in der Originalfassung für Klavier von Modest Mussorgsky: Anatol Ugorski spielte. Und natürlich hat das romantische Riesenorchester hier mehr Möglichkeiten, das offenbar panoramisch angelegte Bild Viktor Hartmanns zum Leben zu erwecken: Die vielen disparaten Geschichten, die sich in ihm drängen, die es zu sprengen drohen wie das Klavierstück die Grenzen des Instruments. Zwar gibt es Musikwissenschaftler, die selbst Ravels Orchesterfassung unbefriedigend finden, die auf einen phantasiebegabten, auf jeden Virtuosenglanz verzichtenden Klavierspieler schwören, aber in der Reduktion kann der Reiz dieses Werkes ja nicht liegen, sonst könnte man auch eine Bearbeitung für drei Blockflöten spielen (was es übrigens, Graus des Grausens!, tatsächlich gibt). Orchestrale Wirkung ist hier vom Komponisten ausdrücklich gewünscht warum sollte man sich also nicht orchestraler Mittel bedienen?! MUSIK: MUSS./RAVEL, BILDER, TRACK 15 (5:14) MUSSORGSKY/RAVEL, Bilder einer Ausstellung; Chicago Symphony Orchestra, Fritz Reiner; RCA (LC 0316) Noch einmal Fritz Reiner und das Chicago Symphony Orchestra mit dem pompösen Schluss der Orchestersuite, die Maurice Ravel aus Mussorgskys Klavierzyklus Bilder einer Ausstellung fertigte: Das Große Tor von Kiew. Max Reger war zeitlebens kein Programmmusiker, er verachtete sogar die Haltung eines Berlioz oder Liszt: Absolut hatte die Musik zu sein, sich selbst genügend und nur aus sich selbst sprechend! Aber ausgerechnet für einen Zyklus von vier Bildern einer Ausstellung durchbrach er das Prinzip, machte er gegen Ende seines Lebens dann doch noch Programmmusik. Und das kam so: 1911 wurde der 38-jährige Reger zum Leiter seines Traumorchesters ernannt, der Meininger Hofkapelle, die schon Brahms geliebt hatte als bestes Ensemble von Deutschland!. Bisher waren die beiden

6 6 Instrumente, die ihm zur Verfügung gestanden hatten, Klavier und Orgel gewesen; jetzt hatte er plötzlich rund 60 ganz vorzügliche Spieler, mit deren Hilfe er Klangwirkungen erproben konnte, perspektivische Hörversuche starten, den Mischklang untersuchen statt des polyphonen Spaltklangs wie bisher. Der kunstsinnige Dienstherr Herzog Georg II. ließ ihn gerne gewähren, denn was dabei herauskam, war vielfach ein neuer Reger und zumeist von verführerischem Klangreiz, überdies stets dem Herzog gewidmet. Dazu gehören dann eben auch die Vier Tondichtungen nach Arnold Böcklin op. 128, eine Suite von vier Bildbeschreibungen nach Werken des populären Schweizer Malers: Der geigende Eremit, Im Spiel der Wellen, Die Toteninsel und Bacchanal. Arnold Böcklin, immerhin der Ahnvater von Surrealisten wie Max Ernst, Giorgio de Chirico oder Salvador Dalí, hing im Zeitalter der erstarkenden Bürgerlichkeit, also dem 19. Jahrhundert, über jedem zweiten Wohnzimmersofa, in Farbdrucken seiner Werke. Gerade das noch immer nach seiner Identität suchende Bildungsbürgertum schmückte die gute Stube mit Sachen wie der Toteninsel, um sich abzuheben vom plebs, in dessen Wohnzimmern auch etwas hing, was aber als Röhrender Hirsch, Stiller Zecher oder Rassige Zigeunerin eher von unbekannter Hand gefertigt war. Unter den Symbolisten jener Tage, zu denen auch Ferdinand Hodler, Max Klinger und Lovis Corinth zählten, war Böcklin mit seinem klaren Strich, den deutlichen Konturen und der Leuchtkraft seiner Farben der populärste: Auch der Adel schätzte seine nicht allzu morbiden Gemälde. Das erste Bild in Regers Suite, Der geigende Eremit, zeigt einen weißbärtigen alten Mann in einer braunen Kutte, wie er einsam in seiner Klause fiedelt. Dem Herzog berichtete der Komponist: Geradezu überirdisch klingt der geigende Eremit, wo die zartesten, weichsten Farben mit alten Palestrina-Harmonien ein ganz merkwürdiges Stimmungsbild ergeben... Die scheinbar frei assoziierende, ja geradezu meditierende Violine erhebt sich über ein Bett von Streichern, deren Tonalität äußerst kunstvoll verwischt wurde; die überirdischen Klänge haben aber auch damit zu tun, dass der neue Reger hier zum ersten Mal zwei Streichorchester gegen die Geige antreten lässt, eines mit, eines ohne Dämpfer eine musikalische Hell-Dunkel-Wirkung erzeugend, die den Kreis schließt zu der von Zurbarán inspirierten Komposition des heutigen Beginns! MUSIK: REGER, DER GEIGENDE EREMIT, TRACK 1 (8:14; ACHTUNG! FALLS NÖTIG, BITTE AUF ZEIT FAHREN!) REGER, Vier Tondichtungen nach A. Böcklin; Jaap van Zweden, Concertgebouworkest Amsterdam, Neeme Järvi; Chandos 8794